嵐の中の海景が1840年に初めて展示されたとき、多くの観客は困惑し、完成した絵画を見ているのか、未完成のスケッチを見ているのか分からなくなりました。J.M.W. ターナーは風景画の限界を押し広げることで悪名高かったが、この作品はその過激な筆遣いやほぼ抽象的な海と空の表現で特に注目を集めました。当時の批評家たちは意見が分かれました。一部はターナーが形を完全に放棄したと非難し、他の者は混沌の中に新たな力を感じ取りました。この絵画の受容は、絵画が表現できるものに対する公衆の理解の転換点を示しました。 画像の中心には、淡い光の柱が灰色とオーカーの渦巻く塊を貫通し、海と空が互いに溶け合っているように見えます。英雄的な船や明確な物語は存在せず、波が立ち、風が水面を叩く様子の暗示だけがあります。まるで観客が嵐が襲う直前の海岸に立っているかのようです。曖昧な形状と速く、ほぼ暴力的な筆致は、目を引くものを探させます：ここに白い泡の閃光、あちらに遠くの船かもしれない暗い形があります。クロード・ロランの穏やかな港が秩序と明確さを提供するのとは対照的に、ターナーのシーンは期待と不確実性に満ちており、自然そのものの生の気分を捉えています。 嵐の中の海景の正確な委託と初期の歴史は不明であり、これはターナーがキャリアの後半に制作した多くの作品に典型的です。彼はしばしばパトロンのためではなく、自分の楽しみのために制作しました。その媒介はおそらくキャンバスに油彩であり、ターナーが採用した実験的な技法のために今でも議論されています。彼の死後、この絵画はターナーの遺贈の一部となり、英国国に残された彼の作品の膨大なコレクションの一部となりました。今日、この作品はテート・ブリテンに収蔵されており、ターナーの絶え間ない革新と彼の晩年のスタイルが現代美術の方向性に与えた影響の証として、観客に挑戦し続けています。