1889年、ポール・ゴーギャンが扇子の静物を描いたとき、彼はブルターニュのル・プールデュに住んでおり、キャリアと現代美術の歴史の転換点にありました。同年、彼と彼の仲間たち——エミール・ベルナール、ポール・セリュジエ——は、印象派から大胆に逸脱した合成主義スタイルを形成していました。この絵画は、その不確かな媒介によって注目されます。高更のこの時期の静物画のほとんどは油彩ですが、ここでの正確な技法は学者の間で議論されています。この曖昧さと、絵画の異常な構図は、初めての展示以来、活発な議論を引き起こしています。 日本の扇子がテーブルの上に広げられ、その繊細な骨が異国の鳥の翼のように広がり、果物と暗い容器に囲まれています。高更の物の選択は偶然ではありません：扇子はパリを席巻するジャポニスムの熱狂を示し、果物と陶器はブルターニュの田舎の豊かさを呼び起こします。テーブルの傾いた面と大胆な輪郭は空間を平坦にし、パターンと色の相互作用に目を引きます。これは合成主義の特徴です。シャルダンの静物画の豊かで触覚的なリアリズムとは異なり、高更のシーンは感覚だけでなく思考のために配置されているように感じられ、私たちに東西、伝統と革新の対話を考えるように促します。 扇子の静物の初期の由来は完全には記録されていませんが、数十年にわたり個人の手に留まっていた可能性が高く、その後公共のコレクションに入ったと考えられます。その制作は、高更の最も実験的な年と重なり、彼がタヒチに初めて出発する直前のことです。この絵画は、新しい形と意味を求める彼の不安定な探求の証として立っており、彼のブルターニュ時代と後の作品の急進的な単純化をつなぐものです。今日、この作品は美しいオブジェクトとしてだけでなく、ヨーロッパの芸術が深い変化の瀬戸際にあった瞬間の証人として評価されています。