고대 이야기 중 아탈란타와 히포메네스의 경주만큼 많은 붓질을 영감을 준 이야기는 드물지만, 피터 폴 루벤스의 아탈란타와 히포메네스 (1637)는 그 운동감과 관능성으로 두드러진다. 루벤스는 이 신화를 여러 번 다루었으며, 이 특정 버전은 그의 명성이 절정에 달했던 안트워프 후기 시절에 그려진 가장 역동적인 작품 중 하나이다. 이 그림의 즉각적인 영향력은 소용돌이치는, 거의 조각 같은 구성에서 비롯되며, 그토록 찬사를 받아 유럽 전역에서 복제와 판화에 영감을 주었다.

그 시대의 많은 신화적 장면들과 달리, 루벤스의 접근은 절제보다는 신체성과 움직임으로 주목받았다. 캔버스 중앙에서 운명의 경주는 가장 결정적인 순간에 얼어붙어 있다: 히포메네스는 빠른 발을 가진 아탈란타의 손을 얻기 위해 그녀의 발 아래에 금 사과를 던진다. 아탈란타는 승리에 대한 욕망과 사과의 저항할 수 없는 유혹 사이에서 잠시 주저한다. 루벤스는 그녀의 몸의 비틀림과 눈의 시선에서 이 주저함을 포착하고, 히포메네스는 긴장된 근육으로 앞으로 나아간다.

그 사과들—빛나는, 거의 빛나는—은 단순한 소품이 아니라 비너스의 개입의 도구이며, 그들의 금색은 여신의 사랑과 혼돈에 대한 약속을 반향한다. 귀도 레니의 더 섬세한 아탈란타와 히포메네스와 비교할 때, 루벤스의 인물들은 강건하고 자연스러우며, 그들의 육체는 그가 신화적이고 종교적인 의뢰 작품에 부여한 활력으로 표현된다. 이 그림의 정확한 기원은 완전히 문서화되어 있지 않지만, 아마도 개인 수집가를 위해 제작되었거나 귀족 주택의 장식 주기의 일부로 제작되었을 가능성이 높다. 이는 1630년대 루벤스의 신화적 작품에서 흔히 볼 수 있는 것이다.

수세기 동안 이 그림은 여러 차례 소유자가 바뀌었고, 전쟁의 격변과 예술의 취향 변화 속에서도 살아남았다. 현재 이 작품은 프라도 미술관에 소장되어 있으며, 그곳의 유명한 플랑드르 바로크 회화 컬렉션의 일부를 형성하고 있다. 루벤스의 경력에서 이 작품은 고전 이야기와의 매력, 그리고 신화를 생동감 있는 드라마로 변환하는 그의 비할 데 없는 능력을 증명하는 작품으로 자리 잡고 있다.