Peu d'histoires de l'antiquité ont inspiré autant de coups de pinceau que la course entre Atalante et Hippomène, mais Atalante et Hippomène (1637) de Peter Paul Rubens se distingue par son énergie athlétique et sa sensualité. Rubens est revenu à ce mythe à plusieurs reprises, et cette version en particulier est l'une des plus dynamiques, peinte durant ses dernières années à Anvers, lorsque sa renommée était à son apogée. L'impact immédiat de la peinture provient de sa composition tourbillonnante, presque sculpturale, qui a été si admirée qu'elle a inspiré des copies et des gravures à travers l'Europe.

Contrairement à de nombreuses scènes mythologiques de l'époque, le traitement de Rubens a été noté pour sa physicalité et son mouvement plutôt que pour sa retenue. Au centre de la toile, la course fatidique est figée à son moment le plus décisif : Hippomène, désespéré de gagner la main de l'agile Atalante, lance une pomme dorée à ses pieds. Atalante, prise entre son désir de victoire et l'irrésistible attrait de la pomme, hésite juste un instant. Rubens capture cette hésitation dans la torsion de son corps et le regard de ses yeux, tandis qu'Hippomène, muscles tendus, se précipite en avant.

Les pommes elles-mêmes — brillantes, presque lumineuses — ne sont pas de simples accessoires, mais les véritables instruments de l'intervention de Vénus, leur or résonnant avec la promesse d'amour et de chaos de la déesse. Comparées à la plus délicate Atalante et Hippomène de Guido Reni, les figures de Rubens sont robustes et terreuses, leur chair rendue avec le même dynamisme qu'il a apporté à ses commandes mythologiques et religieuses. Les origines précises de cette peinture ne sont pas entièrement documentées, mais elle a probablement été créée pour un collectionneur privé ou comme partie d'un cycle décoratif pour une résidence noble, comme c'était courant pour les œuvres mythologiques de Rubens dans les années 1630. Au fil des siècles, la peinture a changé de mains plusieurs fois, survivant aux bouleversements de la guerre et aux goûts changeants en art.

Aujourd'hui, elle est conservée au Museo del Prado, où elle fait partie de la célèbre collection de peinture baroque flamande du musée. Dans la carrière de Rubens, cette œuvre se dresse comme un témoignage de sa fascination pour les histoires classiques et sa capacité inégalée à traduire le mythe en un drame vivant et palpitant.