Quando Paul Gauguin pintou Design de Leque: Jardim Sob a Neve em 1885, ele ainda era um corretor de bolsa em Paris, e não a figura radical que mais tarde abalaria o mundo da arte. A obra é uma das poucas composições em forma de leque que Gauguin fez durante esse período de transição, um tempo em que ele experimentava com artes decorativas e buscava novas formas. Esses leques nunca foram montados em varas ou usados em salões; em vez disso, foram feitos como objetos para colecionadores, borrando a linha entre pintura e arte aplicada.

Sua raridade hoje torna cada exemplo sobrevivente um precioso registro da criatividade inquieta de Gauguin antes de suas viagens à Bretanha e ao Tahiti. Na delicada e curva superfície, Gauguin captura um momento tranquilo: um jardim coberto de neve, galhos se curvando sob o peso e, talvez, uma pista sinuosa através da brancura. A composição achata o espaço, ecoando as impressões japonesas ukiyo-e que fascinavam os artistas parisienses da época. A neve, representada em amplas e simplificadas manchas, abafa a cena, enquanto as escassas e escuras árvores cortam silhuetas marcantes contra o solo pálido.

Ao contrário das paisagens nevadas mais atmosféricas de Monet, a abordagem de Gauguin é quase gráfica, enfatizando padrão e contorno em vez de luz efêmera. O jardim se torna tanto um lugar real quanto um motivo decorativo, convidando o espectador a se demorar em seus detalhes silenciosos. O propósito original e o patrono de Design de Leque: Jardim Sob a Neve permanecem incertos, assim como o meio exato que Gauguin utilizou; alguns sugerem aquarela ou guache sobre papel, mas nenhuma análise definitiva resolveu a questão. A obra passou por mãos privadas e raramente aparece em exposições públicas, tornando suas aparições ainda mais notáveis para os estudiosos que rastreiam a carreira inicial de Gauguin.

Como uma peça de seus anos formativos, ela se encontra na encruzilhada do Impressionismo e dos experimentos simbolistas que o definiriam. Hoje, é valorizada não apenas por sua beleza silenciosa, mas pela visão que oferece da mente de um artista à beira da transformação.