Quando Peter Paul Rubens pintou São Sebastião em 1618, ele já era um dos artistas mais procurados da Europa, mas este tema tinha uma fascinação especial para ele; ele retornaria a ele pelo menos quatro vezes ao longo de sua carreira. O martírio de Sebastião, um soldado romano que se tornou cristão, era um tema popular na era do Barroco, mas a versão de Rubens se destaca por sua sensualidade e drama marcantes. A história da pintura também é marcada por um certo mistério: embora frequentemente datada em 1618, a comissão exata e o patrono original permanecem desconhecidos, levando os estudiosos a debater se foi destinada à devoção privada ou a um altar de igreja. Rubens captura Sebastião no momento após seus executores terem partido, seu corpo perfurado por flechas, mas ainda não sem vida.

A forma atlética do santo se contorce em um elegante contrapposto, seu olhar voltado para o céu em uma mistura de dor e aceitação serena. O jogo de luz sobre o torso de Sebastião intensifica a sensação de vulnerabilidade física, enquanto as flechas quebradas a seus pés insinuam a sobrevivência milagrosa narrada na lenda. Diferente do mais estoico São Sebastião de Andrea Mantegna, a interpretação de Rubens enfatiza a humanidade e o sofrimento do mártir, convidando os espectadores a contemplar tanto a agonia quanto a esperança da salvação. A jornada física deste particular São Sebastião é menos documentada do que algumas das comissões mais grandiosas de Rubens, mas seu estilo e técnica o colocam firmemente dentro de seus anos produtivos em Antuérpia, quando ele liderava uma oficina movimentada e estava no auge de seu poder.

Com o tempo, a pintura foi atribuída tanto ao próprio Rubens quanto, em momentos, a seus assistentes, um debate comum com as obras de seu estúdio. Hoje, é reconhecida como um exemplo primoroso da habilidade de Rubens em misturar forma clássica com imediata emoção, e pendura-se como um testemunho de sua duradoura fascinação pela história do mártir.