Was zuerst ins Auge fällt bei Dagny Konow, ist die Art und Weise, wie das blassblaue Kleid der Dargestellten scheinbar in die Landschaft übergeht, als wäre sie sowohl präsent als auch im Abdriften. Ihr Blick, weit und unblinkend, hält den Betrachter in einem Moment stiller Konfrontation – ihr Körper leicht zur Seite gedreht, aber ihr Gesicht trifft uns direkt. Die Birken links rahmen sie mit ihren aufrechten Streifen, während der Hintergrund sich zu einem traumhaften Treffen öffnet: entfernte Figuren, die mit derselben lockeren, drängenden Pinselstrichtechnik dargestellt sind, stehen unter einem gelben Mond.

Die Farbpalette ist kühl und leuchtend, wobei das Blau des Kleides den Himmel und das Wasser widerspiegelt, und die schnellen, fast ungeduldigen Striche deuten auf einen flüchtigen Sommerabend hin, der halb erinnert wird. Das Gemälde, das 1917 entstand, gehört zu einer Zeit, als Edvard Munch neue Freiheiten in Farbe und Form erkundete und über die psychologische Intensität seiner früheren symbolistischen Werke hinausging, um eine ausdrucksvollere, persönlichere Sprache zu finden. Porträts wie dieses, oft von oder für Mitglieder der norwegischen Bourgeoisie in Auftrag gegeben, waren eine Möglichkeit für die Dargestellten, ihren Platz in einer sich verändernden Gesellschaft zu behaupten, auch wenn Munchs Ansatz die Konventionen von Ähnlichkeit und Schmeichelei in Frage stellte. Das Gemälde befindet sich jetzt im Munchmuseet, ein Zeugnis für die rastlose Experimentierfreude des Künstlers in den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg.

In dieser unsicheren, sich verändernden Welt verweilt die Präsenz der Dargestellten – halb in der Gegenwart, halb bereits eine Erinnerung – und lädt uns ein, erneut hinzusehen und uns zu fragen, was sie sieht.