Ciò che colpisce per primo in Dagny Konow è il modo in cui il vestito blu pallido della modella sembra dissolversi nel paesaggio, come se fosse sia presente che in procinto di svanire. Il suo sguardo, ampio e immobile, tiene lo spettatore in un momento di silenziosa confrontazione: il suo corpo leggermente girato, ma il suo viso ci affronta di fronte. I betulle a sinistra la incorniciano con le loro strisce verticali, mentre lo sfondo si apre in un raduno onirico: figure lontane, rese con la stessa pennellata sciolta e urgente, si trovano sotto una luna gialla.

La palette è fredda e luminosa, con il blu del vestito che riecheggia il cielo e l'acqua, e i rapidi, quasi impazienti colpi di pennello suggeriscono una fugace sera d'estate, a metà ricordata. Dipinta nel 1917, quest'opera appartiene a un periodo in cui Edvard Munch stava esplorando nuove libertà nel colore e nella forma, andando oltre l'intensità psicologica delle sue opere simboliste precedenti verso un linguaggio più espressivo e personale. Ritratti come questo, spesso commissionati da o per membri della borghesia norvegese, erano un modo per i modelli di affermare il loro posto in una società in cambiamento, anche se l'approccio di Munch destabilizzava le convenzioni di somiglianza e adulazione. Il dipinto ora risiede nel Munchmuseet, una testimonianza dell'inquieta sperimentazione dell'artista negli anni dopo la Prima Guerra Mondiale.

In questo mondo incerto e in cambiamento, la presenza della modella persiste: a metà nel presente, a metà già un ricordo, invitandoci a guardare di nuovo e a chiederci cosa stia vedendo.