Ce qui attire d'abord l'œil dans Dagny Konow, c'est la manière dont la robe bleu pâle de la modèle semble se dissoudre dans le paysage, comme si elle était à la fois présente et en train de s'éloigner. Son regard, large et sans clignement, maintient le spectateur dans un moment de confrontation silencieuse : son corps légèrement tourné, mais son visage nous fait face. Les bouleaux à gauche l'encadrent avec leurs rayures verticales, tandis que l'arrière-plan s'ouvre sur un rassemblement onirique : des figures lointaines, rendues avec le même coup de pinceau lâche et urgent, se tiennent sous une lune jaune.

La palette est froide et lumineuse, le bleu de la robe résonnant avec le ciel et l'eau, et les coups de pinceau rapides, presque impatients, suggèrent une soirée d'été fugace, à moitié oubliée. Peinte en 1917, cette œuvre appartient à une période où Edvard Munch explorait de nouvelles libertés en couleur et en forme, allant au-delà de l'intensité psychologique de ses œuvres symbolistes antérieures vers un langage plus expressif et personnel. Des portraits comme celui-ci, souvent commandés par ou pour des membres de la bourgeoisie norvégienne, étaient un moyen pour les modèles d'affirmer leur place dans une société en mutation, même si l'approche de Munch perturbait les conventions de ressemblance et de flatterie. La peinture réside maintenant au Munchmuseet, un témoignage de l'expérimentation incessante de l'artiste dans les années qui ont suivi la Première Guerre mondiale.

Dans ce monde incertain et changeant, la présence de la modèle persiste : à moitié dans le présent, à moitié déjà un souvenir, nous invitant à regarder à nouveau et à nous demander ce qu'elle voit.