Ein Körper windet sich gewaltsam aus einem Sarg, die Gliedmaßen spreizt und der Rücken ist gewölbt, als wäre er im Moment zwischen völliger Niederlage und einer plötzlichen, wütenden Rückkehr gefangen. Das Auge wird zuerst von der starren, fast skelettartigen Figur angezogen, die in rohen, dringlichen Pinselstrichen gemalt ist, und dann von dem wilden Ausbruch von Draperien dahinter – graue und schwarze Falten, die zu explodieren scheinen, als kämen sie direkt aus der Erde. Licht schneidet über den Oberschenkel und den Arm der Leiche und hebt die Spannung zwischen dem Tod und der verzweifelten Energie der Auferstehung hervor.

Hier gibt es nichts Beruhigendes: die Palette ist hart, die Formen sind kantig, als wäre der Akt des Wiederlebens ein Kampf gegen den Widerstand der Welt. Um 1943 gemalt, gehört Tod und Auferstehung zu einer Zeit, in der Künstler wie José Clemente Orozco mit der Gewalt und dem Umbruch des 20. Jahrhunderts rangen. Mexikanische Wandmaler, Orozco unter ihnen, verwendeten monumentale Formen und dramatische Kontraste, um Themen wie Revolution, Leiden und Transformation anzusprechen.

Während das Thema der Auferstehung eine lange Tradition in der westlichen Kunst hat, ist Orozcos Vision von Trost oder Triumph entblößt; dies ist nicht der ruhige Christus der Renaissance-Altäre, sondern eine Figur, die in den rohen Mechanismen von Sterblichkeit und Hoffnung gefangen ist. Die Energie des Gemäldes lädt die Betrachter ein, davor zu stehen und zu fragen: Was kostet es, wieder aufzustehen?