Un corpo si contorce violentemente fuori da una bara, con gli arti distesi e la schiena arcuata, come se fosse bloccato nell'istante tra la sconfitta totale e un ritorno improvviso e furioso. L'occhio è attratto prima dalla figura austera, quasi scheletrica, dipinta con colpi di pennello crudi e urgenti, poi dall'eruzione selvaggia di drappeggi dietro di essa: pieghe grigie e nere che sembrano esplodere dalla terra stessa. La luce taglia attraverso la coscia e il braccio del cadavere, evidenziando la tensione tra la morte e l'energia disperata della resurrezione.

Non c'è nulla di sereno qui: la tavolozza è dura, le forme sono frastagliate, come se il semplice atto di tornare in vita fosse una lotta contro la resistenza del mondo. Dipinta intorno al 1943, Morte e Resurrezione appartiene a un'epoca in cui artisti come José Clemente Orozco si confrontavano con la violenza e il tumulto del ventesimo secolo. I muralisti messicani, Orozco tra loro, utilizzavano forme monumentali e contrasti drammatici per affrontare temi di rivoluzione, sofferenza e trasformazione. Sebbene il tema della resurrezione abbia una lunga tradizione nell'arte occidentale, la visione di Orozco è priva di conforto o trionfo; non è il Cristo sereno dei polittici rinascimentali, ma una figura intrappolata nelle meccaniche crude della mortalità e della speranza.

L'energia del dipinto invita gli spettatori a fermarsi davanti ad esso e a chiedersi: quale è il costo di risorgere?