Es sind die Augen, die dich zuerst in Margaret McKittrick von Abbott Handerson Thayer fesseln. Sie treffen den Betrachter direkt, fest und unbewacht, in einem Gesicht, das zwischen Kindheit und Erwachsensein zu schweben scheint. Das Haar, locker und ungezähmt, rahmt ihre Züge mit einem kupferfarbenen Halo, während die Pinselstriche ihres Gewandes grob und unvollendet bleiben, als wollte der Künstler, dass die gesamte Aufmerksamkeit auf der lebendigen Präsenz der Dargestellten ruht.

Der Hintergrund zieht sich in die Dunkelheit zurück und drängt die Figur nach vorne, ihre helle Haut und die helle Bluse leuchten gegen den Schatten. Thayers Umgang mit der Farbe ist sowohl präzise als auch unruhig: Das Gesicht ist sorgfältig modelliert, aber die Schultern lösen sich in breite, sichtbare Striche auf, was dem Porträt ein Gefühl von Unmittelbarkeit und Intimität verleiht. Um 1903 wandte sich die amerikanische Porträtkunst von der starren Förmlichkeit früherer Jahrzehnte ab und nahm einen lockereren, psychologischen Ansatz an. Abbott Handerson Thayer war bekannt für seine Porträts und allegorischen Figuren, die oft seinen Modellen ein Gefühl von spiritueller Intensität verliehen.

Werke wie dieses waren selten bloße Ähnlichkeiten; sie waren Einladungen, Charakter und Seele zu betrachten. Wenig ist über die Reise dieses besonderen Gemäldes bekannt, das jetzt in der digitalen Sammlung des Google Cultural Institute bewahrt wird, aber seine unvollendete Qualität und der suchende Blick fangen einen Moment ein, in dem amerikanische Künstler neu überlegten, was ein Porträt leisten konnte. Je länger man schaut, desto mehr scheint das Modell zurückzuschauen und so viele Fragen zu stellen, wie sie beantwortet.