Als Anthony van Dyck 1620 Maria Magdalena malte, war er gerade einmal einundzwanzig Jahre alt und zog bereits die Aufmerksamkeit bedeutender Mäzene in Antwerpen auf sich. Dieses Gemälde gehört zu einer Zeit, in der van Dyck, frisch von seiner Lehre bei Peter Paul Rubens zurückgekehrt, seinen eigenen Weg mit religiösen Themen beschritt, die Drama und Intimität ausbalancierten. Wissenschaftler haben lange darauf hingewiesen, dass van Dyck Maria Magdalena in seiner Karriere mehrfach aufgriff, wobei jede Version eine andere Facette von Reue und Gnade erkundete.

Die Magdalena von 1620 wird besonders für ihre psychologische Tiefe geschätzt, und unter Kunsthistorikern gibt es Diskussionen darüber, ob sie für die private Andacht oder als Ausstellungsstück für den offenen Markt geschaffen wurde. Die Szene zeigt Maria Magdalena im Moment der Buße, mit nach oben gerichteten Augen und Tränen, die auf ihren Wangen glänzen. Sie drückt ihre Hände fest an die Brust, eine Geste sowohl der Qual als auch der Hoffnung, während der Schädel und das Salbgefäß an ihrer Seite auf ihre Vergangenheit und ihre Rolle als Salberin Christi hinweisen. Das reiche, fast theatralische Licht isoliert ihre Figur und hebt ihr emotionales Aufruhr und ihr spirituelles Verlangen hervor.

Im Gegensatz zu Caravaggios erdigerer Magdalena ist van Dycks Version von einer seidenen Sanftheit geprägt und konzentriert sich auf innere Transformation anstatt auf äußeres Drama. Das lose Haar, ein Symbol ihres früheren Lebens, fällt über ihre Schultern, während der dunkle Hintergrund den Betrachter in ihr privates Ringen zieht. Die genaue frühe Geschichte dieses Gemäldes ist ungewiss, da die Aufzeichnungen aus van Dycks Jahren in Antwerpen unvollständig sind. Werke dieser Art wurden oft von wohlhabenden katholischen Mäzenen in Auftrag gegeben, die Bilder für persönliche Kapellen suchten, aber es ist auch möglich, dass van Dyck es für die Ausstellung in seinem Atelier malte, um Aufträge zu gewinnen.

Im Laufe der Jahrhunderte hat Maria Magdalena verschiedene Sammlungen durchlaufen, wobei ihre Zuschreibung an van Dyck dank seiner charakteristischen Pinselstriche und emotionalen Intensität konsequent aufrechterhalten wurde. Heute wird das Gemälde als ein Schlüsselwerk aus van Dycks prägenden Jahren anerkannt, das sowohl seine Schulden gegenüber Rubens als auch die Anfänge seines eigenen, introspektiveren Stils offenbart.