Lorsque Anthony van Dyck a peint Marie Madeleine en 1620, il avait à peine vingt et un ans et attirait déjà l'attention de grands mécènes à Anvers. Cette peinture appartient à une période où van Dyck, fraîchement revenu de son apprentissage auprès de Peter Paul Rubens, forgeait son propre chemin avec des sujets religieux qui équilibrent drame et intimité. Les chercheurs ont depuis longtemps noté que van Dyck est revenu à Marie Madeleine à plusieurs reprises au cours de sa carrière, chaque version explorant un aspect différent du repentir et de la grâce.

La Madeleine de 1620 est particulièrement prisée pour sa profondeur psychologique, et il y a un débat parmi les historiens de l'art pour savoir si elle a été créée pour la dévotion privée ou comme pièce de présentation pour le marché ouvert. La scène capture Marie Madeleine au moment de la pénitence, les yeux levés, des larmes scintillant sur ses joues. Elle serre les mains contre sa poitrine, un geste à la fois d'angoisse et d'espoir, tandis que le crâne et le flacon de baume à ses côtés signalent son passé et son rôle d'oint de Christ. L'éclairage riche, presque théâtral, isole sa figure, mettant en lumière son tourment émotionnel et son désir spirituel.

Contrairement à la Madeleine plus terre à terre de Caravaggio, la version de van Dyck est marquée par une douceur soyeuse et un accent sur la transformation intérieure plutôt que sur le drame extérieur. Les cheveux lâchés, symbole de sa vie antérieure, tombent sur ses épaules, tandis que le fond sombre attire le spectateur dans son examen privé. L'histoire précise de cette peinture est incertaine, car les archives des années de van Dyck à Anvers sont incomplètes. Des œuvres de ce type étaient souvent commandées par de riches mécènes catholiques à la recherche d'images pour des chapelles personnelles, mais il est également possible que van Dyck l'ait peinte pour l'exposition dans son atelier afin d'attirer des commandes.

Au fil des siècles, Marie Madeleine a traversé diverses collections, son attribution à van Dyck étant systématiquement maintenue grâce à son style de pinceau distinctif et à son intensité émotionnelle. Aujourd'hui, la peinture est reconnue comme une œuvre clé des années formatrices de van Dyck, révélant à la fois sa dette envers Rubens et les débuts de son propre style plus introspectif.