Als Liegende Venus 1828 erschien, sorgte es für Aufregung in der Londoner Kunstwelt: Hier war J.M.W. Turner—der große Landschaftsinnovator—der seinen Pinsel dem klassischen Akt widmete, einem Genre, das von Größen wie Titian und Giorgione dominiert wurde. Turners Ausflug in die mythologische Sinnlichkeit war unerwartet, und die Ausstellung des Gemäldes zog Berichten zufolge Menschenmengen an, die gespannt darauf waren zu sehen, wie der Engländer sich mit den venezianischen Meistern messen würde.

Die Kritiker waren gespalten, einige lobten sein mutiges Spiel mit Licht, andere hinterfragten seinen Abschied von den Landschaften, die seinen Namen geprägt hatten. Das Medium des Werks bleibt ungewiss, was zu seiner geheimnisvollen Aura beiträgt; einige glauben, es sei Öl, andere schlagen Aquarell oder sogar eine Mischtechnik vor. Die Szene, die Turner auswählt, ist eine der languiden Ruhe: Venus, die Göttin der Liebe, liegt auf einer bewölkten Couch, ihr Blick ist fern, ihre Gestalt wird von einem diffusen, goldenen Licht erleuchtet, das die Grenzen zwischen Fleisch und Luft zu lösen scheint. Der Stoff rutscht von ihrer Hüfte und deutet sowohl auf Verletzlichkeit als auch auf Anziehung hin, während eine einzelne Rose an ihrer Seite ruht—ein traditionelles Symbol von Venus und der vergänglichen Natur der Liebe.

Im Gegensatz zu Titians Venus von Urbino, wo die Göttin den Blick des Betrachters sucht, schaut Turners Venus weg, verloren in ihren eigenen Gedanken. Die Landschaft hinter ihr ist kaum skizziert, mehr Atmosphäre als Kulisse, als ob Turners wahres Thema nicht der Mythos, sondern das Spiel des Lichts selbst wäre. Die nachfolgende Geschichte von Liegende Venus ist weniger gut dokumentiert als die großen Landschaften Turners. Es gibt keinen Aufzeichnung eines spezifischen Mäzens, und der Verbleib des Gemäldes war jahrzehntelang ungewiss, was zu Spekulationen über seine Authentizität und sogar seine Existenz führte.

Heute wird es als seltenes Beispiel dafür anerkannt, dass Turner sich mit dem klassischen Akt auseinandersetzt, ein Zeugnis seiner rastlosen Experimentierfreudigkeit in den späten 1820er Jahren. Das Werk hebt sich in seinem Schaffen ab, weder ganz klassisch noch vollständig romantisch, und bietet einen Einblick in einen Moment, in dem Turner die Grenzen sowohl des Themas als auch der Technik testete. Sein aktueller Standort in einer Privatsammlung bedeutet, dass es selten zu sehen ist, was zu seinem schwer fassbaren Ruf unter Turners Werken beiträgt.