In einem gewagten Akt der Selbstinszenierung malte Rembrandt van Rijn sich selbst und seine junge Frau Saskia als den verlorenen Sohn und eine Kurtisane in Rembrandt und Saskia in der Parabel vom verlorenen Sohn, vollendet im Jahr 1635. Dies war keine bloße biblische Illustration: Der Künstler, der sich damals auf dem Höhepunkt seines Ruhms und Reichtums befand, warf offen seine eigene Ehe in die Geschichte von maßloser Hingabe und Rückkehr. Der Ruhm des Gemäldes wuchs teilweise, weil Rembrandt, der sich oft selbst als Modell verwendete, hier einen Moment des wilden Ausbruchs darzustellen wählte, anstatt von Reue oder Vergebung.

Die Zuschauer der damaligen Zeit hätten das Paar erkannt, was die Szene sowohl zu einer persönlichen Erklärung als auch zu einem öffentlichen Spektakel machte. Die Geschichte, die dem Evangelium nach Lukas entnommen ist, erzählt von einem Sohn, der sein Erbe in einem fernen Land mit ausschweifendem Leben verschwendet. Rembrandt fixiert die Szene auf dem Höhepunkt des Überflusses: Er hebt einen glänzenden Krug und grinst breit, während Saskia auf seinem Knie sitzt, geschmückt mit extravaganten Gewändern. Die reichen Rot- und Goldtöne ihrer Kleidung, der gefiederte Hut und die glänzenden Münzen auf dem Tisch signalisieren alle Luxus und Verschwendung.

Der Blick des Malers trifft direkt den des Betrachters und lädt uns ein, zu urteilen oder sich dem Fest anzuschließen. Im Gegensatz zur feierlichen Reue, die Albrecht Dürer in seinem eigenen Verlorenen Sohn darstellt, pulsiert Rembrandts Version vor Leben und Humor und verwischt die Grenze zwischen moralischer Warnung und Selbstfeier. Der genaue Auftrag für dieses Werk bleibt ungewiss, und seine frühe Geschichte ist nicht vollständig dokumentiert, aber es ist allgemein anerkannt, dass Rembrandt es zu seinem eigenen Vergnügen malte und nicht für einen Auftraggeber. Im Laufe der Jahrhunderte hat das Gemälde mehrmals den Besitzer gewechselt, bevor es in die Gemäldegalerie Alte Meister in Dresden gelangte, wo es bis heute bleibt.

Wissenschaftler haben lange darüber debattiert, ob das Werk als Autobiografie, Satire oder beides gelesen werden sollte — eine Debatte, die durch Rembrandts spätere finanzielle Ruine und persönliche Verluste angeheizt wurde. Nichtsdestotrotz steht Rembrandt und Saskia in der Parabel vom verlorenen Sohn als lebendiges Zeugnis für die Bereitschaft des Künstlers, sein Leben mit seiner Kunst zu verweben und die Konventionen der religiösen Malerei im Goldenen Zeitalter der Niederlande herauszufordern.