In den letzten Jahren seines Lebens wandte sich Pierre-Auguste Renoir immer wieder dem Thema der Odaliske zu, einer Figur, die der orientalischen Fantasie entnommen und durch seine eigene sinnliche Vision gefiltert wurde. Schlafende Odaliske, 1916 gemalt, sticht unter diesen Werken durch ihre languide Ruhe und die Art und Weise hervor, wie sie das Exotische mit dem Alltäglichen verbindet. Die Identität des Modells bleibt ungewiss, aber die entspannte Intimität des Gemäldes deutet darauf hin, dass Renoir mit jemandem arbeitete, den er gut kannte, vielleicht mit einer seiner bevorzugten Modelle aus dieser Zeit.

Der deutsche Titel des Gemäldes, der "Schlafende Odaliske" bedeutet, deutet auf ihre Reise durch Mitteleuropa hin, wo sie unter diesem Namen katalogisiert und bewundert wurde. Die Odaliske, die auf einem Divan liegt, wird in einem Moment unbewachten Ausruhens eingefangen, ihr Körper in lockere Stoffe gehüllt und ihre Füße noch in Pantoffeln gekleidet – ein Detail, das die Fantasie im alltäglichen Komfort verankert. Renoirs Pinselstrich, locker und leuchtend, streichelt die Kurven des Fleisches und die Falten des Stoffes und verwischt die Grenzen zwischen Figur und Umgebung. Das warme, goldene Licht fließt über ihre Haut und lädt den Betrachter in eine Atmosphäre von Leichtigkeit und Sinnlichkeit ein.

Im Gegensatz zur kühlen Distanz von Ingres’s La Grande Odalisque ist Renoirs Ansatz intim und taktil und betont Weichheit und Wärme über exotisches Spektakel. Die Pantoffeln, ein bescheidenes Accessoire, werden zum Fokus und deuten sowohl auf die inszenierte Natur der Pose als auch auf die Zuneigung des Künstlers zum Gewöhnlichen hin. Die genaue frühe Geschichte von Schlafende Odaliske ist nicht vollständig dokumentiert, aber sie blieb wahrscheinlich jahrzehntelang in Privatbesitz nach Renoirs Tod im Jahr 1919, was bei seinen späten Akten üblich war. Bis 1916 malte Renoir trotz schwerer Arthritis und wies oft Assistenten an, ihm mit den Leinwänden zu helfen – ein Zeugnis seiner Entschlossenheit und sich entwickelnden Technik.

Das Gemälde spiegelt den späten Stil des Künstlers wider: reiche Farben, vereinfachte Formen und ein Fokus auf die Freuden des Sehens und Fühlens. Heute wird das Werk als Teil von Renoirs fortwährender Erkundung des weiblichen Aktes anerkannt, ein Thema, das ihn während seiner gesamten Karriere beschäftigte und in diesen späten Odaliskas neue Ausdrucksformen fand. Der aktuelle Standort ist nicht weit verbreitet, wird jedoch weiterhin in Katalogen und Ausstellungen als repräsentatives Beispiel für Renoirs letzte künstlerische Phase zitiert.