Cuando Peter Paul Rubens pintó su Asunción de María alrededor de 1700, se estaba ocupando de un tema que ya había suscitado controversia y devoción en toda Europa. La Asunción, una creencia oficialmente declarada dogma por la Iglesia Católica solo en 1950, era, en la época de Rubens, un poderoso símbolo de la identidad católica durante la Contrarreforma. La versión de Rubens es una entre varias que creó para retablos, cada una adaptada a las demandas de diferentes mecenas y espacios, reflejando la feroz competencia entre las iglesias por exhibir las imágenes más impresionantes de la ascensión de la Virgen. Rubens elige el instante dramático en que María, rodeada de un torbellino de querubines y ángeles, es elevada hacia el cielo, con la mirada dirigida hacia arriba en asombro y aceptación.

Abajo, los apóstoles asombrados se extienden hacia su tumba vacía, sus gestos son una mezcla de asombro e incredulidad. Las nubes que ondean y la luz radiante que envuelven a María no son mera decoración; señalan su paso de la vida terrenal a la gloria divina. El manto azul y el vestido blanco que lleva son símbolos tradicionales de pureza y favor celestial, mientras que el resplandor dorado que impregna la escena evoca los efectos de iluminación teatral que Rubens admiraba en Caravaggio.

A diferencia de las representaciones más contenidas de artistas como Tiziano, la versión de Rubens palpita con movimiento y emoción, atrayendo al espectador hacia el espectáculo. El recorrido preciso de esta particular Asunción de María sigue siendo incierto, ya que Rubens produjo varias versiones para diferentes iglesias en Flandes y España, y los registros de la época a menudo son incompletos. Lo que está claro es que estas obras eran muy buscadas por los mecenas ansiosos por reforzar la doctrina católica a través del arte. Las Asunciones de Rubens se convirtieron en modelos para innumerables artistas posteriores, consolidando su reputación como una figura central del Barroco.

Hoy en día, versiones de la Asunción de María de Rubens se pueden encontrar en colecciones como el Museo del Prado, donde continúan inspirando asombro y debate académico sobre la atribución, la participación del taller y el estilo en evolución del artista.