Quando Peter Paul Rubens dipinse la sua Assunzione di Maria intorno al 1700, si stava confrontando con un soggetto che aveva già suscitato controversie e devozione in tutta Europa. L'Assunzione—una credenza ufficialmente dichiarata dogma dalla Chiesa Cattolica solo nel 1950—era, ai tempi di Rubens, un potente simbolo dell'identità cattolica durante la Controriforma. La versione di Rubens è una delle diverse che ha creato per altari, ciascuna adattata alle esigenze di diversi mecenati e spazi, riflettendo la feroce competizione tra le chiese per esibire le immagini più impressionanti dell'ascensione della Vergine. Rubens sceglie l'istante drammatico in cui Maria, circondata da un vortice di cherubini e angeli, viene elevata verso il cielo, il suo sguardo rivolto verso l'alto con stupore e accettazione.

Sotto, gli apostoli stupiti si allungano verso la sua tomba vuota, i loro gesti sono una miscela di meraviglia e incredulità. Le nuvole ondeggianti e la luce radiosa che avvolgono Maria non sono semplici decorazioni; segnalano il suo passaggio dalla vita terrena alla gloria divina. Il mantello blu e il vestito bianco che indossa sono simboli tradizionali di purezza e favore celeste, mentre il bagliore dorato che pervade la scena richiama gli effetti di illuminazione teatrale che Rubens ammirava in Caravaggio.

A differenza delle rappresentazioni più contenute di artisti come Tiziano, la versione di Rubens pulsa di movimento ed emozione, attirando lo spettatore nello spettacolo. Il percorso preciso di questa particolare Assunzione di Maria rimane incerto, poiché Rubens produsse diverse versioni per diverse chiese in Fiandre e Spagna, e i registri dell'epoca sono spesso incompleti. Ciò che è chiaro è che queste opere erano molto ricercate da mecenati desiderosi di rafforzare la dottrina cattolica attraverso l'arte. Le Assunzioni di Rubens divennero modelli per innumerevoli artisti successivi, consolidando la sua reputazione come figura centrale del Barocco.

Oggi, versioni dell'Assunzione di Maria di Rubens possono essere trovate in collezioni come il Museo del Prado, dove continuano a ispirare meraviglia e dibattiti accademici sull'attribuzione, la partecipazione del laboratorio e lo stile in evoluzione dell'artista.