En abril de 1826, la caída de Missolonghi conmocionó a Europa. La ciudad griega sitiada, tras meses de desesperada resistencia contra las fuerzas otomanas, eligió el éxodo masivo en lugar de la rendición; miles perecieron o fueron esclavizados. La noticia de la catástrofe galvanizó el movimiento filhelénico, inspirando a artistas y escritores de todo el continente a unirse a la causa griega.

Entre ellos se encontraba Eugène Delacroix, quien transformó la tragedia en un potente símbolo del sufrimiento y la esperanza nacional en su pintura Grecia en las Ruinas de Missolonghi. Delacroix captura las secuelas, no la batalla, enfocando nuestra mirada en una figura femenina solitaria—una alegoría de Grecia misma—de rodillas entre escombros y cadáveres. Su túnica blanca, desgarrada y luminosa, contrasta con la oscuridad que la rodea, mientras su pecho desnudo y sus brazos extendidos evocan tanto la escultura clásica como la iconografía cristiana, fusionando el martirio con el heroísmo antiguo. Detrás de ella, un soldado turco planta una bandera, señalando la conquista, sin embargo, su mirada está alzada, implorante, como si apelara a los cielos o a Europa más allá del lienzo.

A diferencia de Géricault y su La balsa de la Medusa, que sumerge a los espectadores en el caos, Delacroix congela el momento en una claridad solemne y teatral, invitando a la empatía y a la acción. Pintada en 1826, Grecia en las Ruinas de Missolonghi fue exhibida en el Salón el mismo año, donde suscitó un debate por su carga política y su fusión de color romántico con forma clásica. La obra fue adquirida por el Musée des Beaux-Arts de Burdeos, donde permanece hoy. Para Delacroix, esta pintura marcó un punto de inflexión, consolidando su reputación como la voz principal del movimiento Romántico en Francia y estableciendo su compromiso de toda la vida con temas de libertad, sufrimiento e identidad nacional.