En avril 1826, la chute de Missolonghi a choqué l'Europe. La ville grecque assiégée, après des mois de résistance désespérée contre les forces ottomanes, a choisi l'exode massif plutôt que la reddition ; des milliers de personnes ont péri ou ont été réduites en esclavage. La nouvelle de la catastrophe a galvanisé le mouvement philhellénique, inspirant des artistes et des écrivains à travers le continent à se rallier à la cause grecque.

Parmi eux se trouvait Eugène Delacroix, qui a transformé la tragédie en un puissant symbole de souffrance et d'espoir national dans sa peinture Grèce sur les Ruines de Missolonghi. Delacroix capture les conséquences, non la bataille, en focalisant notre regard sur une figure féminine solitaire—une allégorie de la Grèce elle-même—à genoux au milieu de décombres et de cadavres. Sa robe blanche, déchirée et lumineuse, contraste avec l'obscurité qui l'entoure, tandis que sa poitrine nue et ses bras tendus évoquent à la fois la statuaire classique et l'iconographie chrétienne, mêlant martyr et héroïsme ancien. Derrière elle, un soldat turc plante un drapeau, signalant la conquête, mais son regard est levé, implorant, comme s'il faisait appel aux cieux ou à l'Europe au-delà de la toile.

Contrairement à Géricault et son Le Radeau de la Méduse, qui plonge les spectateurs dans le chaos, Delacroix fige le moment dans une clarté solennelle et théâtrale, invitant à l'empathie et à l'action. Peinte en 1826, Grèce sur les Ruines de Missolonghi a été exposée au Salon la même année, où elle a suscité un débat pour sa charge politique et sa fusion de couleur romantique avec forme classique. L'œuvre a été acquise par le Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, où elle demeure aujourd'hui. Pour Delacroix, cette peinture a marqué un tournant, consolidant sa réputation en tant que voix principale du mouvement Romantique en France et établissant son engagement tout au long de sa vie avec des thèmes de liberté, de souffrance et d'identité nationale.