Lorsque Arearea a été exposé pour la première fois à Paris en 1893, il a déconcerté et perturbé le public avec ses couleurs vives et son symbolisme énigmatique. Peint lors du premier séjour de Paul Gauguin à Tahiti, l'œuvre a marqué un audacieux départ des traditions européennes, suscitant des débats parmi les critiques sur son sens et les intentions de l'artiste. Gauguin lui-même a écrit à son ami Daniel de Monfreid, décrivant la peinture comme "un hymne à la sérénité et au primitif", mais la toile reste l'une de ses plus mystérieuses.

Son titre tahitien original, "Joie", suggère un noyau émotionnel qui est tout sauf direct. Au centre de Arearea, deux femmes tahitiennes sont assises sur l'herbe, leurs poses sont calmes mais distantes, entourées d'un paysage luxuriant et onirique. Un chien rouge, presque totémique dans sa présence, se tient alerte au premier plan, tandis qu'une idole sculptée à l'arrière-plan fait allusion à la vie spirituelle de l'île. La tenue traditionnelle des femmes et le flûtiste derrière elles évoquent un sens de rituel et de communauté, mais leurs expressions sont ambiguës : sont-elles en paix ou perdues dans leurs pensées ? L'utilisation par Gauguin de couleurs plates et non modulées et de contours audacieux, influencée par le Cloisonnisme, distingue sa vision du naturalisme de contemporains comme Monet ou même de l'exotisme de Delacroix dans Femmes d'Alger.

Chaque élément semble chargé de symbolisme, mais résiste à une interprétation unique et claire. Après son débuts à Paris, Arearea est resté en possession de Gauguin jusqu'à sa mort, entrant finalement dans la collection de l'État français. Aujourd'hui, il est exposé au Musée d'Orsay, une œuvre clé pour comprendre à la fois la période tahitienne de Gauguin et le mouvement plus large du Post-Impressionnisme. Le parcours de la peinture reflète les fortunes changeantes de la réputation de Gauguin : autrefois considéré comme excentrique, il est maintenant reconnu comme un pionnier qui a défié les limites de l'art occidental.

Arearea se dresse comme un témoignage de sa quête de sens au-delà du familier et du pouvoir durable de l'art pour provoquer et dérouter.