Ce qui attire d'abord l'œil dans Avarice, c'est le mélange troublant d'attrait et de décomposition : une femme dont le sein nu et les cheveux flottants ont peut-être promis la beauté, mais dont les traits s'affaissent et se tordent maintenant avec l'âge. Son sourire rusé et complice et la prise ferme sur son sac de pièces en font un emblème vivant de la cupidité. Le drapé rouge glisse de son épaule, un éclat de sensualité rapidement contrecarré par la représentation dure, presque clinique, de sa peau ridée et de ses mains noueuses.

Le coup de pinceau de Dürer s'attarde sur chaque imperfection, chaque dent jaunie, guidant le spectateur à affronter non seulement le vice du sujet, mais aussi la nature éphémère de la jeunesse et de la beauté. L'obscurité derrière elle l'isole encore plus, faisant de sa cupidité la seule lumière dans le vide. Peinte en 1507, cette œuvre appartient à un moment du début du XVIe siècle en Europe, lorsque des artistes comme Albrecht Dürer transformaient des leçons morales en images inoubliables. Les allégories du vice et de la vertu — commandées pour la contemplation privée ou l'avertissement public — étaient un genre prisé parmi les collectionneurs humanistes et les mécènes moralisateurs.

Dans les terres allemandes, où Dürer travaillait, la Réforme commençait à peine à s'agiter, et des images comme celle-ci parlaient des angoisses liées à la richesse, à la corruption et au destin de l'âme. Aujourd'hui, Avarice est conservée au Kunsthistorisches Museum de Vienne, un rappel de la manière dont la Renaissance pouvait transformer même les vérités les plus laides en art qui refuse d'être ignoré. Regardez à nouveau son visage : chaque ride raconte une histoire sur le coût de s'accrocher trop fortement.