Peu d'héroïnes bibliques ont inspiré autant de peintres que Judith, mais Judith quittant Béthulie de Paolo Veronese se distingue par son accent non pas sur l'acte de violence, mais sur les conséquences victorieuses. Plutôt que de représenter la célèbre décapitation d'Holoferne, Veronese a choisi le moment chargé juste après l'acte, lorsque Judith, accompagnée de sa servante, s'échappe du camp ennemi avec son trophée. Cette scène, rarement au centre d'autres versions, a permis à l'artiste d'explorer des thèmes de courage et de ruse sous un nouveau jour.

La date de la peinture et le commanditaire original restent incertains, ajoutant à son aura de mystère au sein de l'œuvre de Veronese. Dans la peinture, Judith émerge des portes sombres de la ville, son visage serein, sa posture droite, tenant l'épée qui a abattu le général assyrien. La tête d'Holoferne, dissimulée dans un panier porté par sa servante, est suggérée plutôt que montrée, déplaçant l'accent de l'horreur au triomphe. Des tissus vénitiens riches et des bijoux éclatants signalent la noblesse et la vertu de Judith, tandis que le jeu de lumière sur sa silhouette l'isole de l'obscurité anxieuse derrière elle.

Là où Caravaggio se délecterait plus tard dans le climax brutal de l'histoire, l'approche de Veronese est celle de la retenue : sa Judith est une figure de dignité, non de vengeance. Le parcours précis de Judith quittant Béthulie à travers les siècles n'est pas entièrement documenté, mais il est caractéristique du style tardif de Veronese, avec sa couleur opulente et sa mise en scène théâtrale. De telles œuvres étaient souvent recherchées par les patriciens vénitiens, désireux d'afficher à la fois leur piété et leur goût pour le drame. Aujourd'hui, la peinture est reconnue comme un bel exemple du flair narratif du Renaissance vénitienne, et elle continue d'attirer les spectateurs dans le moment de victoire silencieuse de Judith, longtemps après que le tumulte de son évasion se soit estompé dans la légende.