Poche eroine bibliche hanno ispirato tanti pittori quanto Giuditta, ma Giuditta che lascia Betulia di Paolo Veronese si distingue per il suo focus non sull'atto di violenza, ma sulle conseguenze vittoriose. Invece di rappresentare la famosa decapitazione di Oloferne, Veronese ha scelto il momento carico subito dopo l'atto, quando Giuditta, accompagnata dalla sua serva, scappa dal campo nemico con il suo trofeo. Questa scena, raramente al centro di altre versioni, ha permesso all'artista di esplorare temi di coraggio e astuzia sotto una nuova luce.

La data del dipinto e il committente originale rimangono incerti, aggiungendo alla sua aura di mistero all'interno dell'opera di Veronese. Nel dipinto, Giuditta emerge dalle ombrose porte della città, il suo volto composto, la sua postura eretta, mentre stringe la spada che ha abbattuto il generale assiro. La testa di Oloferne, nascosta in un cesto portato dalla sua serva, è suggerita piuttosto che mostrata, spostando l'attenzione dall'orrore al trionfo. Ricchi tessuti veneziani e gioielli scintillanti segnalano la nobiltà e la virtù di Giuditta, mentre il gioco di luci sulla sua figura la isola dall'ansiosa oscurità dietro di lei.

Dove Caravaggio si sarebbe poi deliziato nel climax brutale della storia, l'approccio di Veronese è di contenimento: la sua Giuditta è una figura di dignità, non di vendetta. Il preciso percorso di Giuditta che lascia Betulia attraverso i secoli non è completamente documentato, ma è caratteristico dello stile tardivo di Veronese, con il suo colore opulento e la messa in scena teatrale. Queste opere erano spesso ricercate dai patrizi veneziani, desiderosi di mostrare sia la loro pietà che il loro gusto per il dramma. Oggi, il dipinto è riconosciuto come un ottimo esempio del flair narrativo del Rinascimento veneziano, e continua ad attrarre gli spettatori nel momento di silenziosa vittoria di Giuditta, molto tempo dopo che il tumulto della sua fuga è svanito nella leggenda.