Dans les dernières années de sa vie, Claude Monet s'est tourné encore et encore vers ses jardins à Giverny, créant une série d'œuvres tardives qui ont repoussé les limites de ce que la peinture pouvait être. Parmi celles-ci, Les Iris, par Claude Monet se distingue comme l'un des derniers iris qu'il ait jamais peints, achevé en 1924 alors que Monet était presque aveugle à cause de cataractes. La peinture appartient à la même période que ses célèbres panneaux de nénuphars, mais les iris étaient un motif personnel, cultivé dans les parterres de fleurs de l'artiste et peint d'après observation directe.

La lutte de Monet contre la perte de la vue n'est pas seulement un détail biographique ; elle est inscrite dans le geste même de ce tableau. Ici, les iris surgissent à la surface dans de larges coups de pinceau presque abstraits de bleu et de violet, leurs formes se dissolvant dans la verdure environnante. Monet choisit de ne pas isoler une seule fleur, mais d'immerger le spectateur dans un dense enchevêtrement de pétales et de feuilles, comme si l'on était à genoux parmi les fleurs elles-mêmes. La lumière semble scintiller et changer, avec des taches de jaune et de vert suggérant la lumière du soleil filtrant à travers le jardin.

Contrairement aux célèbres Iris de Vincent van Gogh, qui délimitent chaque fleur avec précision, la vision tardive de Monet est davantage axée sur la sensation que sur la description—un monde entrevu à travers la mémoire et le toucher autant que la vue. Les Iris, par Claude Monet a été peint à Giverny et a probablement demeuré dans l'atelier de l'artiste jusqu'à sa mort en 1926. Nombre des œuvres tardives de Monet ont été conservées par son fils Michel et n'ont progressivement intégré les collections publiques et privées qu'après la Seconde Guerre mondiale. La provenance exacte de la peinture n'est pas entièrement documentée, mais elle est désormais reconnue comme un exemple clé du style tardif de Monet, lorsque celui-ci travaillait dans un quasi isolement et poussait l'impressionnisme vers l'abstraction.

Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la quête incessante de Monet pour la couleur et la lumière, même alors que sa vision s'estompe—un enregistrement durable du dialogue de l'artiste avec son jardin bien-aimé.