생의 마지막 몇 년 동안 클로드 모네는 지베르니의 정원으로 다시 돌아가며, 회화의 경계를 확장하는 일련의 후기 작품을 창작했습니다. 그 중 클로드 모네의 아이리스는 그가 마지막으로 그린 아이리스 중 하나로, 1924년에 완성되었을 때 모네는 거의 백내장으로 실명 상태였습니다. 이 작품은 그의 유명한 수련 패널과 같은 시기에 속하지만, 아이리스는 예술가의 꽃밭에서 자생한 개인적인 모티프이며, 직접 관찰을 통해 그려졌습니다.

모네의 시력 저하와의 싸움은 단순한 전기적 세부 사항이 아니라 이 캔버스의 붓질에 깊이 새겨져 있습니다. 여기서 아이리스는 넓고 거의 추상적인 파란색과 보라색의 붓질로 화면을 가득 채우며, 그 형태는 주변의 녹색으로 녹아듭니다. 모네는 단일 꽃을 고립시키지 않고, 관객을 꽃잎과 잎의 밀집한 얽힘 속으로 몰입시키는 선택을 합니다. 마치 꽃들 사이에 무릎을 꿇고 있는 듯한 느낌입니다.

빛은 깜박이고 이동하는 것처럼 보이며, 노란색과 초록색의 얼룩이 정원을 통해 비치는 햇빛을 암시합니다. 빈센트 반 고흐의 유명한 아이리스와는 달리, 각 꽃을 선명하게 구분하는 것이 아니라, 모네의 후기 비전은 시각뿐만 아니라 기억과 촉각을 통해 엿보이는 감각에 관한 것입니다. 클로드 모네의 아이리스는 지베르니에서 그려졌으며, 아마도 모네가 1926년에 사망할 때까지 그의 작업실에 남아 있었을 것입니다. 모네의 많은 후기 작품은 그의 아들 미셸에 의해 보관되었으며, 제2차 세계 대전 이후에야 점차 공공 및 개인 소장품으로 들어갔습니다.

이 작품의 초기 출처는 완전히 문서화되어 있지 않지만, 이제는 모네의 후기 스타일의 핵심 예로 인식되고 있습니다. 그는 거의 고립된 상태에서 작업하며 인상파를 추상으로 밀어붙이고 있었습니다. 오늘날 이 작품은 그의 시력이 흐려져 가는 가운데에서도 색과 빛을 끊임없이 추구한 모네의 끈질긴 추구의 증거로 남아 있으며, 그가 사랑한 정원과의 대화의 지속적인 기록으로 자리 잡고 있습니다.