Pas moins de cinq versions de Madone et Enfant avec Saints par Peter Paul Rubens sont connues, chacune peinte dans la dernière décennie de sa vie en tant que commandes pour des églises et des collectionneurs privés à travers l'Europe. Cette version de 1640 fait partie des dernières œuvres religieuses achevées par Rubens avant sa mort, et elle reflète la synthèse mature de l'artiste entre la grandeur italienne et la couleur du nord. La répétition du sujet n'était pas une simple pratique d'atelier : Rubens a continuellement réimaginé le regroupement et les gestes des figures saintes pour répondre aux besoins de chaque commanditaire et cadre. Ici, la Vierge Marie est assise sur un trône, l'Enfant Jésus sur ses genoux, entourée de saints dont les identités sont révélées par leurs attributs : un bâton de berger, une palme de martyr, un livre.

Le moment est d'adoration silencieuse : les Saints Pierre et Paul se penchent en avant, les regards fixés sur le petit Jésus, tandis que la main de Marie présente doucement son fils au spectateur. La riche draperie rouge et la lumière dorée rappellent Titien, que Rubens admirait et étudiait en Italie, mais les corps musclés et tordus et les tons de chair vifs sont indéniablement les siens. Chaque geste est un maillon de la chaîne d'intercession : les saints regardent vers le Christ, le Christ vers sa mère, et Marie vers nous. La provenance de cette peinture particulière est moins claire que celle de certains des grands retables de Rubens, mais elle a probablement été créée comme une œuvre de dévotion privée pour un riche commanditaire à Anvers.

Au fil du temps, elle a passé entre plusieurs mains, survivant aux bouleversements de l'ère napoléonienne et aux goûts changeants des collectionneurs. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de l'art religieux tardif de Rubens, lorsque son pinceau était à son audace maximale et ses compositions à leur plus grande harmonie, une conclusion appropriée à la carrière de la figure principale du Baroque en Europe du Nord.