Lorsque Pierre-Auguste Renoir a peint Nu couché et servante servant le thé en 1916, il luttait déjà contre les effets sévères de l'arthrite rhumatoïde, ses mains si tordues qu'il devait attacher les pinceaux à ses doigts. Pourtant, même dans ces dernières années, la fascination de Renoir pour la sensualité de la figure humaine et les rituels de la vie quotidienne restait intacte. Cette œuvre se distingue parmi ses nus tardifs par la présence inhabituelle d'une servante, réalisant silencieusement un acte de service, un détail qui a conduit certains chercheurs à spéculer sur le sens ou le commanditaire de la peinture.

Contrairement à ses œuvres antérieures, plus médiatisées, cette peinture n'a pas provoqué de scandale, mais son atmosphère intime et sa narration ambiguë continuent d'inviter au débat. La scène se déroule dans une pièce baignée de soleil : une femme nue est allongée langoureusement sur un canapé, son corps rendu dans la palette chaude et lumineuse caractéristique du style tardif de Renoir. À ses côtés, une servante, entièrement vêtue et presque déférente dans sa posture, offre une délicate tasse de thé. Le contraste entre la figure exposée et détendue du nu et la servante droite et attentive crée une tension subtile : assistons-nous à un moment de loisir ou à un rituel de soin ? Le service de thé, rendu avec des coups de pinceau doux et presque fondants, évoque le confort domestique mais aussi les limites sociales.

Contrairement aux nus mythiques ou allégoriques de Ingres ou Titien, le sujet de Renoir ici est non idéalisé et moderne, son regard détourné, invitant le spectateur à contempler le monde privé des femmes. La provenance de Nu couché et servante servant le thé n'est pas entièrement documentée, mais elle est typique de la période tardive de Renoir, lorsqu'il a peint de nombreuses variations sur le thème du nu dans des intérieurs domestiques. Aucune preuve d'une commande spécifique ou d'une exposition précoce n'a survécu, et le médium de la peinture - qu'il s'agisse d'huile sur toile ou d'un autre support - reste incertain. Les œuvres de cette période restaient souvent dans l'atelier de l'artiste ou étaient vendues par l'intermédiaire de marchands à des collectionneurs privés en France et à l'étranger.

Aujourd'hui, cette peinture est valorisée comme un témoignage de la créativité durable de Renoir face à l'adversité physique, et comme un exemple de son exploration continue de l'intimité, de la beauté et des rituels de la vie quotidienne au début du XXe siècle.