Une plume bleue s'étend sur le haut de l'image, attirant immédiatement le regard vers le chapeau, une touche qui signale à la fois confiance et individualité. En dessous, le regard de Thérèse Schwartze est inébranlable, direct, presque provocateur. La douceur des coups de pinceau autour des bords, en particulier dans le manchon en fourrure et la suggestion de violettes, contraste avec la précision de son visage et le blanc éclatant de son col.

Chaque détail semble choisi pour déclarer une présence : l'inclinaison de la tête, la position des épaules, la peau lumineuse contre le fond ombragé. Ce n'est pas un portrait qui flatte ou qui se flatte lui-même ; il revendique de l'espace et demande au spectateur de rencontrer son sujet comme un égal. Peint en 1910, ce Autoportrait appartient à une tradition d'artistes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui utilisaient leurs propres ressemblances pour affirmer à la fois leur compétence et leur statut social. À une époque où les artistes femmes luttaient souvent pour être reconnues, de telles œuvres étaient plus que des exercices d'auto-observation ; elles étaient des déclarations d'identité professionnelle, parfois même des publicités pour les propres capacités d'un modèle.

Maintenant abritée au Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers, cette peinture se dresse comme un enregistrement de son temps et un témoignage de la détermination de l'artiste. La touche, à la fois lâche et contrôlée, invite les spectateurs à s'attarder, à chercher la personne derrière la peinture et à se demander ce que cela signifiait, en 1910, de regarder le monde avec une telle détermination lucide.