Au milieu du XVIIe siècle, Bartolomé Estebán Murillo est devenu célèbre pour ses représentations douces et humanisées de figures religieuses, et ses images de l'Enfant Jésus en tant que Bon Pasteur étaient si appréciées que des copies et des variantes se sont répandues à travers l'Espagne et au-delà. Le Christ Bon Pasteur—l'une des plusieurs versions peintes par Murillo vers 1660—se distingue par sa représentation intime, presque ludique, du jeune Jésus, un motif qui a profondément résonné tant auprès des mécènes privés que dans la culture plus large de la Séville de la Contre-Réforme. La popularité de ce sujet est attestée par le nombre de répliques et d'adaptations produites dans l'atelier de Murillo, brouillant les frontières entre les œuvres autographes et celles de ses suiveurs. Murillo choisit de montrer l'Enfant Jésus au repos, berçant un agneau dans ses bras, son regard doux et protecteur.

L'agneau, symbole traditionnel d'innocence et de sacrifice, se blottit contre l'enfant, tandis qu'un bâton de berger repose légèrement dans sa main—une claire référence au futur rôle du Christ en tant que guide spirituel et rédempteur. Une lumière douce baigne la scène, apportant chaleur à cet échange tendre, tandis que le paysage en arrière-plan suggère à la fois la paix de la vie pastorale et la promesse spirituelle du salut. Comparée aux représentations plus formelles et adultes du Christ en tant que Bon Pasteur par des artistes comme Juan de Juanes, la version de Murillo invite le spectateur dans un monde de divinité accessible, soulignant l'humanité et la compassion au cœur du message chrétien. Les origines précises de ce Christ Bon Pasteur particulier demeurent incertaines, car il réside désormais dans une collection privée et manque d'une provenance entièrement documentée.

Cependant, son style et sa composition sont cohérents avec les œuvres que Murillo a créées durant sa période mature, lorsqu'il était à l'apogée de sa renommée à Séville. Les peintures de ce type étaient souvent commandées pour la dévotion privée, reflétant l'accent mis à l'époque sur la piété personnelle. Bien que cette version n'ait peut-être jamais orné un grand autel ou une chapelle publique, elle continue d'incarner la spiritualité douce qui a rendu les scènes religieuses de Murillo si recherchées—tant à son époque qu'aujourd'hui.