Lorsque Eugène Delacroix a exposé Le Bon Samaritain au Salon de 1849, les critiques l'ont immédiatement reconnu comme une déclaration audacieuse de compassion en période de bouleversements politiques. Peinte juste un an après la Révolution de 1848 en France, l'œuvre résonnait avec les préoccupations contemporaines concernant la charité, la justice sociale et le traitement des marginalisés. Delacroix, déjà célèbre pour ses sujets dramatiques, s'est ici tourné vers une parabole biblique qui avait acquis une nouvelle pertinence dans une société aux prises avec des questions de fraternité et d'aide aux souffrants.

La peinture se dresse comme l'un des plusieurs traitements du thème par Delacroix, mais cette version, avec son intensité physique et son immédiateté émotionnelle, est souvent considérée comme la plus puissante. La scène capture le moment précis où le samaritain, une figure méprisée par l'establishment religieux de l'époque, soulève le voyageur blessé sur sa propre monture. Le corps inerte du voyageur, rendu avec des coups de pinceau lâches et expressifs, contraste avec la prise ferme et compatissante du samaritain. Delacroix utilise un faisceau de lumière dramatique pour isoler les deux figures centrales, projetant le prêtre et le lévite — qui sont déjà passés — dans l'arrière-plan ombragé.

Le paysage rude, l'éclat de l'oreille du samaritain et les bandages ensanglantés servent à intensifier le sentiment d'urgence et d'humanité. Contrairement au traitement calme et ordonné de Rembrandt dans son propre Le Bon Samaritain, la version de Delacroix déborde de mouvement et d'empathie, mettant l'accent sur l'action plutôt que sur la contemplation. La provenance précoce de la peinture est quelque peu floue, mais on sait que Delacroix est revenu au sujet plusieurs fois, créant à la fois des esquisses à l'huile et des toiles achevées. Le Bon Samaritain est entré dans des collections publiques en France à la fin du XIXe siècle et a depuis été reconnu comme une œuvre clé de la période mature de l'artiste, reflétant sa fascination de toute une vie pour les thèmes de la souffrance et de la miséricorde.

Aujourd'hui, la peinture reste un point de référence pour les discussions sur la conscience sociale du Romantisme, et continue d'attirer des visiteurs avec son récit vivant et sa force émotionnelle. Son parcours d'un Salon politiquement chargé aux murs d'un grand musée reflète la pertinence durable de son message.