Quando Eugène Delacroix espose Il Buon Samaritano al Salon del 1849, i critici lo riconobbero immediatamente come una dichiarazione audace di compassione in un periodo di turbolenze politiche. Dipinta solo un anno dopo la Rivoluzione del 1848 in Francia, l'opera risuonava con le preoccupazioni contemporanee riguardo alla carità, alla giustizia sociale e al trattamento dei marginalizzati. Delacroix, già famoso per i suoi soggetti drammatici, si volse qui verso una parabola biblica che aveva acquisito nuova rilevanza in una società che lottava con questioni di fraternità e aiuto ai sofferenti.

Il dipinto si erge come uno dei vari trattamenti del tema da parte di Delacroix, ma questa versione, con la sua intensa fisicità e immediatezza emotiva, è spesso considerata la più potente. La scena cattura il momento preciso in cui il samaritano, una figura disprezzata dall'establishment religioso dell'epoca, solleva il viaggiatore ferito sul suo stesso animale. Il corpo inerte del viaggiatore, reso con pennellate sciolte ed espressive, contrasta con la presa ferma e compassionevole del samaritano. Delacroix utilizza un drammatico raggio di luce per isolare le due figure centrali, proiettando il sacerdote e il levita — che sono già passati — nello sfondo ombreggiato.

Il paesaggio aspro, il luccichio dell'orecchino del samaritano e le bende insanguinate servono ad intensificare il senso di urgenza e umanità. A differenza del trattamento calmo e ordinato di Rembrandt nel suo Il Buon Samaritano, la versione di Delacroix trabocca di movimento ed empatia, enfatizzando l'azione rispetto alla contemplazione. La provenienza iniziale del dipinto è un po' incerta, ma si sa che Delacroix tornò sul tema più volte, creando sia schizzi a olio che tele finite. Il Buon Samaritano entrò nelle collezioni pubbliche in Francia alla fine del XIX secolo ed è stato riconosciuto da allora come un'opera chiave nel periodo maturo dell'artista, riflettendo la sua fascinazione di tutta una vita per i temi della sofferenza e della misericordia.

Oggi, il dipinto rimane un punto di riferimento per le discussioni sulla coscienza sociale del Romanticismo e continua ad attrarre visitatori con la sua narrazione vivida e la forza emotiva. Il suo viaggio da un Salon carico di politica alle pareti di un grande museo riflette la rilevanza duratura del suo messaggio.