Ce qui attire d'abord l'œil dans Le Printemps (La Source), c'est le sentiment de facilité et de fraîcheur qui émane de la jeune femme, son regard direct et serein, sa peau rayonnante contre les verts et bruns atténués d'un paysage aquatique. L'artiste, Jean-Marc Nattier, l'a placée à moitié immergée, un épaule nue, avec un collier de perles glissant le long de son bras ; chaque détail invite le spectateur à s'attarder. L'urne renversée, l'eau s'écoulant doucement de sa bouche, n'est pas un simple accessoire : elle signale l'allégorie classique d'une source ou d'une fontaine, un motif qui transforme le modèle en quelque chose de plus qu'un portrait.

La lumière glisse sur les plis de sa chemise, s'accumulant sur sa joue et sa clavicule, guidant le regard de son visage serein vers l'eau fraîche et fluide en dessous. Peinte en 1738, cette œuvre appartient à un moment de l'art français où allégorie et portrait se mêlaient souvent, servant à la fois les ambitions des mécènes et les goûts d'un marché avide de beauté et d'esprit. Bien que l'histoire ait tenté un jour d'attribuer un grand nom à ce modèle, la vérité est plus insaisissable : le tableau a probablement été créé pour le marché ouvert, son identité et sa destination non enregistrées. De telles images—mi-déesse, mi-contemporaine—étaient prisées à l'époque rococo, lorsque des artistes comme Nattier transformaient des modèles vivants en nymphes, muses ou saisons.

L'identité du modèle peut être perdue, mais l'attrait de la peinture demeure, nous invitant à nous demander de qui était autrefois le visage qui jouait à être l'esprit du printemps.