La première chose qui attire l'œil dans Turandot II est le visage en forme de masque, ses traits sculptés dans des coups de pinceau audacieux et angulaires, entourés d'un éclat de couleurs. Le regard est direct, presque hypnotique, les yeux en amande et cerclés d'ombres profondes, conférant à la figure un air de mystère et d'autorité. Le travail de pinceau de Jawlensky est urgent et expressif, chaque touche de pigment appliquée avec un sens du but : les bleus cobalts tourbillonnent dans des violets, tandis que des rouges et oranges ardents pulsent sous la peau.

Le contour net de la mâchoire et les plans presque géométriques des joues et du nez transforment le modèle en quelque chose de plus qu'un portrait : un symbole, une présence, une énigme. L'arrière-plan, lui aussi, est vivant de mouvement, ses bleus et violets frais tourbillonnant d'une manière qui encadre et déstabilise la figure centrale. Créée en 1912, cette œuvre se situe à la croisée des expérimentations du début du XXe siècle, lorsque des artistes comme Alexej von Jawlensky repoussaient les limites du portrait et de la couleur. Cette période a été marquée par l'essor de l'Expressionnisme, un mouvement qui cherchait à capturer le sentiment intérieur plutôt que la ressemblance extérieure, et Jawlensky était l'un de ses plus fervents défenseurs.

Ses portraits de cette époque, souvent inspirés par des thèmes d'opéra, de folklore et des courants plus larges du Symbolisme, n'étaient pas destinés à des mécènes privés mais à un public avide de nouvelles façons de voir. La source documentée de cette image, un scan d'un livre d'art moderne, rappelle que l'histoire de telles œuvres est souvent fragmentaire, leurs récits assemblés à partir de catalogues et de souvenirs. Pourtant, la peinture elle-même refuse de s'effacer dans l'obscurité : ses couleurs brillent encore, son regard défie encore, nous invitant à regarder à nouveau et à nous demander ce qui se cache derrière le masque.