La prima cosa che colpisce l'occhio in Turandot II è il volto a forma di maschera, i cui tratti sono scolpiti in colpi audaci e angolari, circondati da un'esplosione di colori. Lo sguardo è diretto, quasi ipnotico, gli occhi a mandorla e contornati da ombre profonde, conferendo alla figura un'aria di mistero e autorità. La pennellata di Jawlensky è urgente ed espressiva, ogni macchia di pigmento applicata con un senso di scopo: i blu cobalto si mescolano ai viola, mentre i rossi e gli arancioni ardenti pulsano sotto la pelle.

Il contorno netto della mascella e i piani quasi geometrici delle guance e del naso trasformano il soggetto in qualcosa di più di un ritratto: un simbolo, una presenza, un enigma. Anche lo sfondo è vivo di movimento, i suoi blu e viola freddi vorticano in un modo che incornicia e destabilizza la figura centrale. Creato nel 1912, quest'opera si trova all'incrocio delle sperimentazioni dei primi del Novecento, quando artisti come Alexej von Jawlensky stavano spingendo i confini del ritratto e del colore. Il periodo è stato caratterizzato dall'ascesa dell'Espressionismo, un movimento che cercava di catturare il sentimento interiore piuttosto che la somiglianza esteriore, e Jawlensky era tra i suoi sostenitori più appassionati.

I suoi ritratti di quest'epoca, spesso ispirati a temi dell'opera, del folklore e delle correnti più ampie del Simbolismo, non furono creati per mecenati privati, ma per un pubblico affamato di nuove modalità di visione. La fonte documentata di questa immagine, uno scan da un libro d'arte moderna, è un promemoria che la storia di tali opere è spesso frammentaria, le loro storie assemblate da cataloghi e ricordi. Eppure, il dipinto stesso si rifiuta di svanire nell'oscurità: i suoi colori brillano ancora, il suo sguardo sfida ancora, invitandoci a guardare di nuovo e a chiederci cosa ci sia dietro la maschera.