Lorsque Paul Gauguin a peint Vase avec Capucines et Faïence de Quimper en 1886, il commençait à peine à rompre radicalement avec sa vie bourgeoise, ce qui allait faire de lui l'une des figures clés du Post-Impressionnisme. Cette peinture date de son été transformateur à Pont-Aven, en Bretagne, où il a côtoyé d'autres artistes et absorbé les traditions folkloriques de la région. C'est l'une des premières œuvres connues dans laquelle Gauguin a inclus la distinctive poterie de faïence de Quimper, un motif qui réapparaîtrait tout au long de sa carrière et signalerait sa fascination croissante pour les arts décoratifs de la France rurale.

L'œuvre se situe à la croisée de son évolution artistique, juste avant ses audacieux expérimentations avec la couleur et la forme. Sur la table, une cruche de Quimper bleu et blanc déborde de capucines, dont les pétales orange ardents se répandent sur le bord dans une explosion de couleur contre la céramique froide et émaillée. La faïence, avec ses figures bretonnes peintes à la main, ancre la composition dans la culture locale, tandis que les fleurs — communes, vives et indomptées — semblent défier la quiétude de la scène. Le coup de pinceau de Gauguin est lâche mais attentif, capturant le jeu de lumière sur la poterie et l'énergie fragile, presque sauvage, des fleurs.

Contrairement aux arrangements floraux plus contenus de Édouard Manet ou Henri Fantin-Latour, la peinture de Gauguin pulse d'un sens d'immédiateté et de connexion personnelle, laissant entrevoir le pouvoir expressif qu'il allait bientôt libérer dans son œuvre ultérieure. L'histoire précise des débuts de Vase avec Capucines et Faïence de Quimper n'est pas entièrement documentée, mais elle est typique des natures mortes intimes que Gauguin a peintes lors de ses premiers séjours en Bretagne, souvent pour des amis ou pour les vendre à des mécènes locaux. Les œuvres de cette période changeaient parfois de mains discrètement ou étaient conservées par l'artiste lui-même alors qu'il luttait financièrement. Aujourd'hui, la peinture est valorisée non seulement pour sa beauté, mais aussi comme un marqueur clé de la transition de Gauguin des influences impressionnistes vers le langage symbolique audacieux de son style mature.

Sa survie offre un aperçu de la quête incessante de l'artiste pour l'authenticité et de sa fascination tout au long de sa vie pour les traditions décoratives de la vie quotidienne.