Lorsque Pierre-Auguste Renoir a peint Femme avec une rose dans les cheveux en 1876, il était en plein milieu de la première véritable floraison du mouvement Impressionniste. La même année, la deuxième exposition impressionniste a ouvert ses portes à Paris, et le cercle de Renoir redéfinissait ce que l'art pouvait être. L'identité de la modèle reste incertaine, un sujet de spéculation parmi les historiens de l'art, mais l'échelle intime de la peinture et la pose informelle suggèrent qu'elle a pu être créée pour un ami ou un mécène proche de l'artiste.

Contrairement à ses grands portraits de société, cette œuvre n'a jamais été exposée de son vivant, et sa provenance précoce reste encore un sujet de recherche. La femme est assise, la tête légèrement tournée, une rose unique glissée dans ses cheveux sombres. Renoir la capture dans un moment de rêverie privée, le regard tourné vers le bas, les lèvres doucement entrouvertes comme si elle s'apprêtait à parler. Le coup de pinceau lâche de sa robe et le délicat modelé de sa peau sont typiques du style de Renoir à la fin des années 1870, lorsqu'il expérimentait avec la lumière et la couleur pour suggérer l'humeur plutôt que de décrire des détails.

La rose, un motif récurrent dans ses portraits, évoque la jeunesse et la beauté éphémère. En contraste avec les portraits plus formels et posés de Édouard Manet, comme Berthe Morisot avec un bouquet de violettes, l'approche de Renoir ici est plus chaleureuse, plus spontanée, invitant le spectateur à un moment d'introspection tranquille. L'histoire ultérieure de Femme avec une rose dans les cheveux n'est pas entièrement documentée, mais il est connu que de nombreuses œuvres de Renoir de cette période sont restées entre des mains privées pendant des décennies avant d'entrer dans des collections publiques. Le médium de la peinture est incertain, bien que l'huile sur toile ait été le choix habituel de Renoir.

Aujourd'hui, elle est célébrée comme un exemple de la maîtrise précoce de l'artiste en portrait, équilibrant intimité avec la couleur chatoyante qui deviendrait sa marque de fabrique. Sa survie et sa redécouverte reflètent l'appréciation croissante pour l'Impressionnisme au XXe siècle, alors que les collectionneurs et les musées cherchaient à récupérer des œuvres qui avaient autrefois semblé trop radicales pour les salons de Paris.