Quando Peter Paul Rubens dipinse Ninfe che riempiono il corno dell'abbondanza nel 1615, era all'apice della sua fama ad Anversa, attirando commissioni dalle corti più potenti d'Europa. Ciò che distingue quest'opera è che è una delle diverse scene mitologiche che Rubens creò per i palazzi di piacere dei suoi aristocratici mecenati, che cercavano di mostrare sia la loro ricchezza che la loro cultura. Il tema dell'abbondanza e della fecondità, incarnato dalla cornucopia, era particolarmente popolare tra l'élite, che vi vedeva un riflesso lusinghiero della propria fortuna.

La sensualità e l'energia del dipinto lo resero un argomento di conversazione nel suo tempo, e rimane un esempio vivido di come Rubens tradusse i miti antichi per un nuovo pubblico mondano. Il momento che Rubens scelse di catturare è quello di un lavoro gioioso: ninfe, servitrici della natura, si radunano attorno al corno dell'abbondanza, riempiendolo di frutti e fiori in un paesaggio lussureggiante illuminato dal sole. I corpi intrecciati delle ninfe e i loro gesti animati creano una sensazione di movimento e abbondanza; ogni figura sembra catturata in un'azione, la loro pelle nuda che brilla contro il fogliame più scuro. La cornucopia stessa, traboccante di prodotti, si erge come simbolo di prosperità e dei doni della terra.

Rubens utilizza colori audaci e una composizione dinamica per enfatizzare la vitalità della scena, una tecnica che contrasta con l'approccio più contenuto di Nicolas Poussin nelle sue opere mitologiche. Mentre le figure di Poussin sono statuose e composte, le ninfe di Rubens pulsano di vita e immediatezza. La storia esatta dei primi anni di Ninfe che riempiono il corno dell'abbondanza non è completamente documentata, ma riflette la prolifica produzione di Rubens di soggetti mitologici durante i suoi anni maturi ad Anversa, spesso destinati a collezioni private piuttosto che a altari pubblici. Come per molte delle sue opere, esistono copie e varianti, a volte prodotte dal suo affollato laboratorio sotto la sua supervisione.

Oggi, il dipinto è riconosciuto come un esempio quintessential della pittura mitologica barocca, celebrato per la sua esuberanza e sensualità. Il suo percorso attraverso collezioni e attribuzioni rispecchia il destino più ampio delle tele mitologiche di Rubens, che sono state apprezzate e studiate per secoli come esemplari del suo stile e del gusto dell'epoca per temi classici reinterpretati nella pittura.