Quando Paul Gauguin completò Contadine bretone nel 1894, era già famoso per la sua radicale rottura con il naturalismo, ma questo dipinto si distingue per un altro motivo: è una delle ultime grandi opere che produsse prima di lasciare la Francia per Tahiti, segnando la fine del suo impegno diretto con i temi europei. Il dipinto ha confuso gli studiosi perché Gauguin creò diverse scene bretonne, ma questa, con la sua inquietante calma, sembra presagire la direzione spirituale e simbolica che la sua arte avrebbe presto preso. Il suo esatto medium rimane incerto, aggiungendo all'aria di mistero che circonda l'opera.

A differenza delle sue tele tahitiane più vivaci, Contadine bretone è sobria, quasi meditativa, come se Gauguin si stesse già rivolgendo verso l'interno. La scena cattura due donne bretonne in abiti tradizionali, i loro coif bianchi e i vestiti scuri sono nettamente delineati contro un paesaggio piatto e decorativo. Gauguin le congela in un momento di conversazione tranquilla o contemplazione, con i volti rivolti lontano dallo spettatore, negandoci l'accesso al loro mondo interiore. La prospettiva appiattita e i contorni audaci richiamano le vetrate delle chiese medievali, un cenno deliberato alla vita spirituale della Bretagna.

Le mani intrecciate e gli occhi abbassati delle donne suggeriscono un rituale o una preghiera, riecheggiando le tradizioni religiose della regione. Rispetto alle rappresentazioni più letterali della vita bretonna di Émile Bernard, l'approccio di Gauguin è simbolico, trasformando la realtà rurale in una visione di rituale senza tempo. Il percorso di Contadine bretone come oggetto è meno documentato rispetto ad alcune delle altre opere di Gauguin, ma si sa che è rimasto in Europa, passando attraverso collezioni private prima di entrare in un'istituzione pubblica. Il suo posto nella carriera di Gauguin è cruciale: dipinta durante il suo secondo soggiorno a Pont-Aven, distilla le lezioni del Synthetism, il movimento che ha contribuito a fondare, e anticipa l'esplorazione spirituale del suo periodo polinesiano.

Oggi, il dipinto è riconosciuto come un esempio chiave della capacità di Gauguin di fondere l'osservazione quotidiana con un profondo significato simbolico, ponendosi sulla soglia tra le sue radici bretonne e la sua ricerca di un paradiso all'estero.