Quando Pierre-Auguste Renoir dipinse Melograni nel 1913, stava già soffrendo di grave artrite reumatoide, con le mani così contorte che gli assistenti dovevano posizionare i pennelli tra le sue dita. Eppure, anche nel dolore, Renoir si rifiutò di smettere di dipingere, dichiarando: "Il dolore passa, ma la bellezza rimane." Quest'opera tardiva è una testimonianza della sua dedizione incrollabile e dell'ottimismo vibrante che ha colorato i suoi ultimi anni. In Melograni, il frutto esplode su una superficie semplice, i semi brillano come rubini sparsi. Renoir cattura il momento subito dopo che i melograni sono stati aperti, con i loro interni esposti, offrendo sia abbondanza che fragilità.

I rossi lussureggianti e i morbidi riflessi dorati richiamano la sensualità dei suoi nudi precedenti, ma qui, il soggetto è un frutto umile, elevato dal suo sguardo. La pennellata sciolta e fluida e la palette luminosa distinguono questo dipinto dai nature morte più fredde e analitiche di contemporanei come Paul Cézanne, il cui Natura morta con mele affronta la frutta con un rigore geometrico piuttosto che con il calore di Renoir. La provenienza esatta di Melograni non è ben documentata, un destino condiviso da molte delle nature morte tardive di Renoir, che spesso venivano vendute direttamente dal suo studio o regalate ad amici. Dipinta negli ultimi anni della sua vita a Cagnes-sur-Mer, quest'opera appartiene a un periodo in cui Renoir, nonostante le difficoltà fisiche, produsse un numero notevole di tele intime e gioiose.

Oggi, Melograni è celebrata come un esempio della sua duratura fascinazione per il colore e la luce, e come un toccante documento della creatività che persiste di fronte alle avversità.