Quando Mele e Pere è entrato nel pubblico dominio, è stato rapidamente riconosciuto come uno dei ultimi nature morte che hanno segnato il cambiamento di Pierre-Auguste Renoir negli anni '90 verso soggetti più intimi e domestici. A differenza delle grandiose scene impressioniste che hanno fatto il suo nome, questo dipinto appartiene a un capitolo più silenzioso, quando Renoir, colpito dall'artrite, si è rivolto sempre più agli oggetti e agli spazi della propria casa. L'opera è talvolta citata come un esempio principale di come, anche nei suoi ultimi anni, la fascinazione di Renoir per la luce e il colore sia persistita, ora canalizzata attraverso le forme umili della frutta su un tavolo. Renoir sceglie una disposizione semplice: mele e pere, le cui bucce sono macchiate di rossi, verdi e dorati, poggiate su un panno bianco.

La frutta non è disposta con la formalità di una natura morta olandese; al contrario, sembra posata casualmente, come se fosse appena stata tolta da un cesto di mercato. La pennellata è sciolta e vivace, con tocchi e vortici che suggeriscono il gioco della luce del sole sulla frutta e sul tessuto. Il panno bianco, reso con colpi rapidi, riflette e amplifica i colori della frutta, mentre lo sfondo si ritira in ombre morbide e calde.

Questo approccio ricorda la libertà delle nature morte di Paul Cézanne, ma la palette di Renoir rimane più calda e le sue forme più morbide, enfatizzando l'abbondanza e la sensualità piuttosto che la struttura. La provenienza precisa di Mele e Pere non è completamente documentata, un destino comune per le nature morte di Renoir, molte delle quali sono state dipinte per collezionisti privati o come regali. Ciò che è chiaro è che opere come questa erano centrali nella carriera tardiva di Renoir, quando si affidava sempre più alla natura morta come fonte di reddito e come modo per sperimentare con il colore e la forma nonostante le sue limitazioni fisiche. Oggi, Mele e Pere è celebrata come un esempio della capacità duratura di Renoir di trovare bellezza nel quotidiano, e continua ad essere esposta come un testimone del suo stile tardivo, colmando il divario tra Impressionismo e le esplorazioni moderniste che sarebbero seguite a breve.