Quando Canna Rossa è apparso per la prima volta al pubblico, critici e spettatori hanno dibattuto su cosa stessero esattamente vedendo. Era un fiore, o qualcosa di più? La stessa Georgia O’Keeffe insistette famosamente: “Bene, ti ho fatto prendere tempo per guardare ciò che ho visto e quando hai preso tempo per notare davvero il mio fiore, hai appeso tutte le tue associazioni con i fiori al mio fiore.” Il dipinto è diventato un punto focale per le discussioni sul genere e sulla percezione nell'arte americana, con alcuni che leggevano sensualità nelle sue pieghe, mentre altri vedevano solo la grandezza della natura amplificata. Al centro di Canna Rossa, lo sguardo dello spettatore si tuffa in un mondo di rossi vibranti, arancioni e gialli, i petali che si dispiegano come fiamme. La composizione di O’Keeffe elimina il contesto del fiore—nesso stelo, nessuna foglia, nessuno sfondo—invita l'occhio a vagare attraverso le forme ondulate.

La prospettiva in primo piano trasforma il giglio canna in un paesaggio astratto, dove colore e forma dominano sull'accuratezza botanica. A differenza delle rappresentazioni precise e scientifiche dei fiori da parte di artisti precedenti, come Maria Sibylla Merian, l'approccio di O’Keeffe è intimo e monumentale, chiedendoci di vedere il familiare in modo nuovo. La data esatta e il medium di questa versione di Canna Rossa rimangono incerti, poiché O’Keeffe ha dipinto diverse opere con questo titolo nel corso della sua carriera, ognuna esplorando lo stesso soggetto con sottili variazioni. Questi dipinti non furono mai commissionati; piuttosto, sono nati dalla fascinazione di O’Keeffe per i fiori e dal suo desiderio di esprimere il loro potere sulla tela.

Oggi, varie versioni di Canna Rossa risiedono in importanti collezioni americane e le loro forme audaci sono diventate icone del Modernismo Americano. Il dipinto si erge come un testimone della visione unica di O’Keeffe, sfidando gli spettatori a guardare da vicino e a riconsiderare i confini tra astrazione e rappresentazione.