クロード・モネがジヴェルニーで広大な睡蓮の池のシリーズを描き始めたとき、彼はすでに70代後半で、ほとんど視力を失い、妻と息子の喪失を悲しんでいました。しかし、第一次世界大戦の最後の数年間、彼は再び何度も自分の庭に戻り、睡蓮の池（1918-1919）を含む60点以上の睡蓮のキャンバスを制作しました。モネ自身は1918年に「これらの水と反射の風景は、私の執着となった」と書いています。現在、パリのマルモッタン・モネ美術館は、この作品を所蔵しており、モネがフランスへの平和の贈り物として意図した、晩年のシリーズの中でも最大かつ最も没入感のある作品の一つです。 睡蓮の池では、観客はモネの池の端に立ち、空、木々、花々が色に溶け込む水面を見つめています。地平線はなく、水面の鏡が目を浮かぶ睡蓮の葉に引き寄せ、ピンクと白の斑点が浮かんでいます。一方、周囲の緑と青は互いに溶け合っています。筆致は緩やかで、ほとんど熱狂的であり、動きと時間の経過を示唆しています。ピエール＝オーギュスト・ルノワールのコルト通りの庭のような、より構造的な庭の描写とは異なり、モネの晩年の睡蓮は境界を放棄し、観客を純粋な感覚に没入させます。人間の姿や明確なランドマークが欠如していることで、池は独自の世界となり、視覚と思い出についての瞑想となります。 睡蓮の池の正確な媒体は常に明記されているわけではありませんが、モネの実践に従い、ほぼ確実に油彩キャンバスです。モネが1926年に亡くなった後、彼の多くの睡蓮の絵画は博物館や個人コレクションに分散しました。パリのマルモッタン・モネ美術館は、彼の晩年の作品の主要な保管場所となり、部分的には息子ミッシェルからの寄付のおかげです。今日、この絵はモネの最後の創造的な高まりと、光と水への生涯の魅力の証として飾られています。それは彼の印象派の旅の頂点を示し、表現の限界を押し広げ、20世紀の抽象芸術への道を切り開いています。