1861年に刈り手が初めて展示されたとき、それはジュール・ブレトンにとっての転機を意味しました。彼は田舎の生活を同情的に描写することで評価を得始めたばかりでした。パリ・サロンの批評家たちは、この絵画が農民の労働を尊厳をもって描いていることに注目しましたが、これは都市のエリートの間では依然として物議を醸していました。ブレトンは、収穫者の日常的な苦労を壮大なスケールで描くことを選び、神話や歴史的テーマを好むアカデミックな絵画の伝統に挑戦しました。その年の手紙の中で、ブレトンは「私は田畑の詩情、労働の高貴さを示したい」と書きました。この野心は彼のキャリア全体を形作ることになります。 刈り手の中心には、日焼けした男女のグループが金色の畑で一時的に休息し、鎌を置いています。芸術家は、疲労と友情が交じり合う瞬間を捉えています：女性が額を拭き、男性が道具に寄りかかり、正午の光が彼らの顔を温かい色合いで包みます。彼らの足元にある麦の束は、細心の注意を払って描かれており、各茎は数時間の労働の証です。ジャン＝フランソワ・ミレーのより厳粛な拾穂者とは異なり、ブレトンの人物は直立し、誇り高く、視線は観客と同じ高さにあり、彼らの存在と尊厳を主張しています。構図の広い地平線と澄んだ空は、土地の広大さとそれを耕す人々の耐久性を示唆しています。 刈り手の正確な出所は完全には記録されていませんが、これはブレトンの1860年代初期のキャンバスの典型であり、田舎のリアリズムのシーンを求めるフランスのコレクターによってしばしば購入されました。19世紀後半を通じて、ブレトンの評判は高まり、彼の作品はヨーロッパやアメリカの展覧会で広く展示されました。今日、刈り手はリアリズム運動が現代の社会現実に関与する重要な例として認識されています。その影響は、ウィンスロー・ホーマーやトーマス・エイキンズのようなアーティストによる後の労働の描写に見られます。この絵の元の委託者は不明ですが、公共コレクションにおけるその持続的な存在は、ブレトンの田舎フランスのビジョンの持続的な魅力を証明しています。