アルバート・ピンカム・ライダーの作品の中で、十字架の物語ほど好奇心を引き起こしたものは少ない。特に、その媒介が今日まで不確かであることがその理由の一つである。ライダーはアメリカ美術における独特の人物であり、実験的な技法と、作品を何年もかけて再作成することで悪名高い。この特定の作品は1890年頃に制作され、彼のキャリアの岐路に位置している—ライダーが社会から距離を置き、強烈でほとんど幻影的な焦点を持つ作品を生み出していた時期である。この絵画の捉えどころのない表面は、保存修復者による容易な分析を拒み、その神秘性とライダーの技法に関する継続的な議論をさらに深めている。 ライダーは物語を深い静けさの瞬間で凍結することを選ぶ：中央にそびえ立つ十字架が暗い風景を支配し、微かな幽霊のような姿がその基部に集まる。ドラマはキリストの苦しみの描写にはなく、その後の余韻にある—目撃者たちが起こった事の重大さに直面し、シーンを包み込む静寂。重く渦巻く筆致と muted パレットは、重さと悲しみの雰囲気を生み出し、十字架自体は不気味な光を放ち、負担と救済の両方を示唆している。ジャン＝レオン・ジェロームの正確なリアリズムやティントレットの劇的な受難とは異なり、ライダーのビジョンは内面的で、ほとんど夢のようであり、観客にこの出来事の物理的な詳細ではなく、感情的および精神的な共鳴を考察するよう促している。 十字架の物語のオブジェクトとしての旅は、その制作と同じくらい謎めいている。ライダーのより有名な競馬場（青白い馬に乗った死）とは異なり、この絵画は彼の生涯において広く展示されることはなく、初期の所有記録はほとんど残っていない。プライベートコレクションを経て、しばしば誤って帰属されたり誤解されたりしながら、公共の視界に入ることになった。今日、この作品はライダーの特異な天才と19世紀末のアメリカ絵画の不安定な実験を証明するものとして存在しており、その物質的な存在と精神的な意図の両方において同様に神秘的な作品である。