앨버트 핑컴 라이더의 작품 중 십자가의 이야기만큼 많은 호기심을 불러일으킨 작품은 드물다. 그 이유 중 하나는 오늘날까지도 그 매체가 불확실하기 때문이다. 라이더는 미국 미술에서 독특한 인물로, 실험적인 기법과 오랜 세월에 걸쳐 작품을 재작업하는 것으로 악명 높았다.

이 특정 작품은 1890년경에 제작되었으며, 그의 경력에서 중요한 기로에 놓여 있다—라이더가 사회에서 물러나고 강렬하고 거의 환상적인 집중력을 가진 작품을 제작하던 시기이다. 이 그림의 모호한 표면은 보존가들이 쉽게 분석하는 것을 거부하며, 그 신비로움과 라이더의 기법에 대한 지속적인 논쟁을 더욱 부각시킨다. 라이더는 이야기의 흐름을 깊은 정적의 순간에 동결시키기로 선택한다: 중앙에 우뚝 솟은 십자가가 어두운 풍경을 지배하고, 희미한 유령 같은 형체들이 그 기슭에 모여 있다. 드라마는 그리스도의 고통을 묘사하는 데 있지 않고, 그 후의 여파에 있다—목격자들이 발생한 사건의 중대함에 직면하면서 장면을 감싸는 정적이다.

무겁고 소용돌이치는 붓놀림과 muted 팔레트는 무게감과 슬픔의 분위기를 만들어내며, 십자가 자체는 불길한 빛을 발산하여 짐과 구속을 암시한다. 장-레옹 제롬의 정밀한 사실주의나 틴토레토의 극적인 십자가형과는 달리, 라이더의 비전은 내적인 것이며, 거의 꿈같은 느낌을 주어 관객이 사건의 물리적 세부사항이 아닌 감정적이고 영적인 공명을 깊이 생각하도록 초대한다. 십자가의 이야기라는 객체의 여정은 그 제작만큼이나 신비롭다. 라이더의 더 유명한 경마장(창백한 말 위의 죽음)과는 달리, 이 그림은 그의 생애 동안 널리 전시되지 않았으며 초기 소유 기록은 드물다.

그것은 개인 소장품을 거쳐 종종 잘못 귀속되거나 오해를 받으며 공공의 시야에 들어왔다. 오늘날, 그것은 라이더의 특이한 천재성과 19세기 말 미국 회화의 불안한 실험을 증명하는 작품으로 자리 잡고 있으며, 물질적 존재와 영적 의도 모두에서 신비로운 작품이다.