フランシスコ・ゴヤの絵画の中で、狂人の庭ほど個人的で、また不安を感じさせる作品は少ない。この作品は1794年に制作され、アーティストの人生を永遠に変えることになる病気と抑うつの時期に描かれた。ゴヤ自身は友人のベルナルド・デ・イリアルテに宛てた手紙の中で、彼の「想像力が非常に苦しめられている」ため、「幻想と発明」のシーンを描かずにはいられなかったと述べている。この作品は、ゴヤが若い頃に訪れたサラゴサの精神病院の記憶に基づいて描かれたものであり、委託によるものではなく、スペインの精神病院の最も初期の視覚記録の一つを示している。この絵は彼の生前には一度も展示されず、その生々しく私的な視点は20世紀までほとんど知られていなかった。 薄暗い壁に囲まれた中庭には、数人の男性が—裸の者もいれば、ぼろを身にまとった者もいる—さまざまな動揺と絶望の状態に捉えられている。一人の人物は頭を抱えてしゃがみ込み、別の人物は両手を挙げて、見えない苦痛の加害者に対して懇願するか、怒りをぶつけているように見える。高くて無表情な壁と格子のある窓は逃げ場を提供せず、囚人と観客を閉所に閉じ込めている。ゴヤの筆致は緩やかで緊急感があり、光は厳しく無情で、石の上に長い影を落としている。ウィリアム・ホガースの放蕩者の進行のような、以前のアーティストによる精神病院の秩序だった、ほぼ臨床的な描写とは異なり、ゴヤのシーンは風刺や道徳的教訓を取り除き、観客に苦しみと孤立の生々しい現実を直面させている。 狂人の庭の物理的な歴史は、その主題と同様に謎めいている。小さな木製パネルに描かれたこの作品の媒介は議論の余地があり、最も可能性が高いのは油彩だが、混合技法を提案する人もいる。この作品はゴヤの死まで彼の所有物であり、20世紀にプラド美術館のコレクションに入るまで、静かに個人の手を渡っていった。これは、ゴヤのいわゆる「黒い絵画」の境界に立っており、彼の後年のより暗く内面的な作品を予感させる。今日、この作品はゴヤのキャリアだけでなく、西洋美術の歴史における転換点として認識されている。記憶と共感から描かれた、距離や判断からではなく、精神疾患の隠れた世界への稀な、妥協のない視点を提供している。