숲이 1740년 파리에서 처음 전시되었을 때, 관객들은 신화와 부도와르의 유명한 화가 프랑수아 부셰가 인적이 없는 숲으로 붓을 돌리는 모습을 보고 놀랐습니다. 보통의 신들과 양치기 소녀 대신, 여기에는 자연 그 자체가 그려져 있으며, 부셰가 로코코의 사랑받는 화가가 된 이유와 같은 풍부함과 극적인 매력으로 표현되었습니다. 이 그림의 운명은 독특했습니다.

왕실의 위탁 작품도 아니고 장식 패널도 아닌, 부셰가 자신의 작업실에서 수년 동안 보관했던 작품으로, 학생들과 후원자들에게 풍경을 다루는 방법을 보여주기 위해 사용했다고 전해집니다. 이 장면은 얽힌 나무들 속 깊은 곳에서의 고요한 순간을 포착하고, 햇빛이 나뭇잎의 캐노피를 통해 이끼가 낀 나무줄기와 구불구불한 시냇물 위로 떨어집니다. 부셰의 시선은 빛과 그림자의 놀이, 감기는 잎사귀, 나무껍질과 덤불의 복잡한 질감에 머물러 있습니다. 클로드 로랑의 이상화된 아르카디아와는 달리, 여기의 숲은 밀집하고 친밀하며, 거의 비밀스러운 느낌을 주며, 자연 그 자체의 드라마에서 주의를 분산시킬 신화적 인물은 없습니다.

쓰러진 가지와 뒤틀린 뿌리는 부셰가 비단과 피부에 쏟았던 것과 같은 감각적인 주의로 그려져 있어, 숲도 매혹의 장소가 될 수 있음을 암시합니다. 숲의 정확한 기원은 여전히 불확실합니다. 어떤 후원자의 이름도 붙어 있지 않으며, 초기의 출처는 잃어버렸습니다. 분명한 것은 부셰의 풍경화가 그의 신화적 장면만큼 찬사를 받지 못했지만, 프랑스 회화의 발전에 중요한 역할을 했으며, 장식적 요소와 자연을 연결하는 다리 역할을 했다는 것입니다.

부셰의 사후, 이 그림은 여러 개인 소장품을 거쳐 19세기 후반에 대중의 시선에 들어오게 되었고, 그때 아티스트의 더 넓은 작품에 대한 관심이 되살아났습니다. 오늘날 숲은 부셰가 순수한 풍경에 참여한 드문 예로 인식되며, 그의 다재다능함과 로코코 시대의 변화하는 취향을 증명하는 작품입니다.