Quando François Boucher revelou Pygmalion e Galatea em 1764, foi imediatamente reconhecida como uma ousada fusão de mito e sensualidade, pintada no auge de sua fama como pintor da corte de Madame de Pompadour. A obra se destaca como um dos poucos tratamentos importantes do mito de Pygmalion na arte francesa do século XVIII, e a única versão conhecida do próprio Boucher. Sua estreia coincidiu com um renovado interesse por temas clássicos na corte francesa, onde o estilo brincalhão Rococó de Boucher foi tanto celebrado quanto criticado por sua ousada intimidade. Nesta cena, Boucher captura o exato instante em que a estátua de marfim do escultor Pygmalion ganha vida, um presente de Vênus em resposta às suas orações desesperadas.

A forma de mármore de Galatea se suaviza enquanto ela se inclina para frente, seu braço se estendendo para abraçar seu criador surpreso, enquanto Pygmalion se ajoelha em admiração, suas ferramentas abandonadas a seus pés. A luz suave acaricia a pele de Galatea, sinalizando sua transformação de pedra fria para carne viva. Cupido paira acima, com o arco na mão, uma clara alusão à intervenção divina.

Ao contrário da interpretação mais contida de Jean-Léon Gérôme, a versão de Boucher é exuberante e íntima, enfatizando o milagre tátil da criação e do amor. A história precisa inicial de Pygmalion e Galatea permanece um tanto obscura, embora se acredite que tenha sido encomendada para um colecionador privado em Paris, refletindo o apetite da época por temas mitológicos com um toque sensual. A pintura mudou de mãos várias vezes, passando por notáveis coleções francesas antes de entrar em domínio público. Hoje, é considerada um destaque tardio do período Rococó de Boucher, exibindo sua habilidade em representar carne, drapeados e fantasia mitológica.

Seu apelo duradouro reside na forma como une a elegância lúdica do Rococó com o drama emocional da lenda antiga.